Nanas de la cebolla
Miguel Hernández
Análisis literario. Parte I
La cebolla es escarcha
cerrada y pobre:
escarcha de tus días
y de mis noches.
Hambre y cebolla,
hielo negro y escarcha
grande y redonda
***
En la cuna del hambre
mi niño estaba.
Con sangre de cebolla
se amamantaba.
***
Pero tu sangre
escarchada de azúcar,
cebolla y hambre.
***
Una mujer morena
resuelta en luna
se derrama hilo a hilo
sobre la cuna.
Riéte, niño,
que te tragas la luna
cuando es preciso.
***
Alondra de mi casa,
ríete mucho.
Es tu risa en los ojos
la luz del mundo.
Ríete tanto
que en el alma al oírte,
bata el espacio.
***
Tu risa me hace libre,
me pone alas.
Soledades me quita,
cárcel me arranca.
boca que vuela,
corazón que en tus labios,
relampaguea.
***
Es tu risa la espada
más victoriosa,
vencedor de las flores
y las alondras.
Rival del sol.
Porvenir de mis huesos
y de mi amor.
***
La carne aleteante
súbito el párpado,
y el niño como nunca
coloreado.
¡Cuánto jilguero
se remonta, aletea,
desde tu cuerpo!
***
Desperté de ser niño:
nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma.
***
Ser de vuelo tan alto,
tan extendido,
que tu carne parece
cielo cernido.
¡Si yo pudiera
remontarme al origen
de tu carrera!
***
Al octavo mes ríes
con cinco azahares,
con cinco diminutas
ferocidades.
Con cinco dientes
como cinco jazmines
adolescentes.
***
Frontera de los besos
serán mañana,
cuando en la dentadura
sientas un arma.
Sientas un fuego
correr dientes abajo
hincando el centro.
***
Vuela niño en la doble
luna del pecho;
él, triste de cebolla,
tú, satisfecho.
No te derrumbes.
No sepas lo que pasa
ni lo que ocurre.
Edición de Leopoldo de Luis y Jorge Urrutia
CÁTEDRA
Letras hispánicas.
Juicios de la crítica:
Francisco Rico Historia y Crítica de la Literatura Española
Miguel Hernández Entre la pureza y la revolución:Poesía
L de Luis, J Urrutia, L,F Vivanco
" El poema desesperado y pesimista, es también un gran canto de alegría, aunque no de esperanza. En él, la verdad del hijo como "carne aleteante" es una pobre verdad indefensa que se derrumbará el día de mañana, en cuando empiece a saber "lo que pasa y lo que ocurre"
Concha Zardoya Antología poética: "una de las más trágicas canciones de cuna de la poesía española"
Edición de Leopoldo de Luis y Jorge Urrutia
Cátedra
" Último poema escrito por Miguel Hernández en el cuaderno comentado, aunque aparece sin título y sin ladillo. Se publicó.... en la Revista Halcón...mayo 1946, como "Nana a mi niño" y el ladillo redactado de la siguiente forma: "Dedicado a su hijo, a raíz de recibir una carta de su mujer en la que le decía que no comía más que pan y cebolla"
ANÁLISIS
Nos encontramos entonces frente a otra canción de cuna, pero desconocemos el título original, si lo hubo.
La tradición la recogió y mantiene como Nanas de la cebolla, también la edición que manejamos en el análisis.
En una carta de M Hernández a su esposa, publicada por Concha Zardoya expresa: .... " El olor de la cebolla que comes me llega hasta aquí y mi niño se sentirá indignado de mamar y sacar zumo de cebolla en vez de leche. Para que lo consueles te mando estas coplillas que le he hecho..."
Tenemos el motivo y la circunstancia; el poema fue creado como consuelo al hijo y su esposa, desde la cárcel. La circunstancia, la distancia e impotencia limitan la comunicación directa.
Es difícil para el analista partir de un texto que presenta dudas de las palabras usadas, por las correcciones y re-escrituras en tinta sobre el original en lápiz, pero no obstante, el poema nace de la entraña misma de la belleza por su forma y contenido. No es justo silenciarlo.
ESTRUCTURA EXTERNA: ochenta y cuatro versos organizados en doce estrofas, Miguel Hernández elige la seguidilla compuesta..
La seguidilla compuesta es la estrofa de siete versos que alternan pentasílabos y heptasílabos, la rima es asonante. (Manual de versificación española R Baehr)
ESTRUCTURA INTERNA : No es un poema abierto, es un diálogo poético, el padre le habla a la mujer y al hijo, lo que le otorga mayor intimidad. El lector queda afuera como receptor, no se cuenta con su captación al emitir el mensaje.
Se transita por diez momentos: 1º, las metáforas de la cebolla. 2º, la presencia del niño en la cuna, 3º, la madre amamantando al niño, 4º, la risa del niño transformando todo en luz, 5º, el niño pájaro, 6º, el yo lírico, su despertar y el pedido al hijo de defender su risa y su presente, 7º, la proyección del niño al cielo, al origen, 8º, la risa y las imágenes de los dientes, 9º, retorno al inicio: pecho, hambre y cebolla, 10º, el ruego final en las tres negaciones: no caer, no saber e ignorar el presente.
Estrofa I
El poema comienza con la metáfora de la cebolla como escarcha, siguiendo su forma se va abriendo en nuevas "capas" de significación sumadas por los encabalgamientos. En la primera, verso I y II se trabaja la escarcha en sentido directo.Los términos comunes son varios: color blanco, trasparente, la finura, sensación de fragilidad, frialdad , dominio de lugar, la escarcha se extiende sobre el terreno, su efecto, quemar la vegetación, la vida. El color es el primer sustentador de la metáfora y nos va llevando sutilmente a los otros. El saber que su mujer se alimenta solo de pan y cebolla, hace más fría y dura la cárcel. .Suma impotencia, porque él se siente responsable de esa carencia y congela su esperanza. El sufrimiento del ser amado acrecienta el nuestro.
Su esposa sufre la injusticia del régimen franquista, que reparte cupones de racionamiento. Contra él, luchó el poeta y por él. está preso. Fue vencido por la injusticia y la sufre."...cerrada y pobre"
Esta escarcha que le llega, no se ve en los campos, no hay cielo, es cerrada, limitada a las cuatro paredes y por su destino, señala la pobreza.
"escarcha de tus días// y de mis noches". se abre otra capa Todo el calor, el amor, se transforma en tristeza por lo vivido, se enfría, congela, por la carencia de lo esencial: alimento y libertad. Ella lo vive en sus días, él en sus noches y entre los dos la totalidad.
Surge de inmediato el paralelismo con uno de los más bellos poemas a la libertad, de la poesía castellana El romance del Prisionero "Que ni sé cuando es de día// ni cuando las noche son..."
El prisionero, encerrado sin luz, pierde noción de tiempo y pluraliza su pena. La capa alude a la significación de luz y oscuridad, día y noche para los dos, desde los dos polos la sufren. La mujer está libre pero en la cárcel del hambre.
"Hambre y cebolla,..." Así viene la tercer capa que nos habla de las dos realidades que rodean a su esposa. Hambre, carecer de lo esencial para vivir, desde el alimento hasta la ausencia del ser amado.Se corresponde en el verso siguiente al "hielo negro" Se pierde el color blanco, que podía tener una connotación positiva, y se instala frío y la oscuridad, el negro de sus noches. Y la segunda realidad:, la cebolla,. bajo la imagen de la escarcha que se enfoca a la forma y tamaño "grande y redonda" de los días.
Estrofa II
Pasamos a la segunda seguidilla, que en esta edición aparece separada como seguidilla simple a la que se unen tres versos dos pentasílabos y un heptasílabos, de esta manera pese a la separación funciona como compuesta.
Es el segundo momento del poema donde aparece por primera vez el niño, motivo de la nana.
" En la cuna del hambre// mi niño estaba." El hijo llega al poema en la realidad más dura: el hambre. Si duele en cualquier momento de la vida, en los primeros meses, golpea más fuerte, porque no hay responsabilidad defensa, ni siquiera conciencia de la situación.
Cuna nos sugiere a un niño de meses.
La metáfora es muy sutil, "cuna del hambre", indica inicio, recién empieza, el hambre está aún en la cuna. No hay esperanza de cambios que prometan un futuro feliz, porque crecerá, se hará mayor, para el niño y para su patria.
El cambio que anularía el hambre , se perdió con la derrota de los republicanos.
El niño que ahora está en la cuna del hambre, crecerá de la mano de esta.
Y no es cualquiera, es el suyo," mi niño", el que ama y debe proteger pero no puede. Le da mayor fuerza al concepto con el encabalgamiento suave.
La sangre que nutre la leche materna recibió solo pan y cebolla. El hambre en la madre y la saciedad en el hijo
"Pero tu sangre,// escarchada de azúcar,// La escarcha ahora surge de otro sitio, la metáfora gira el significado hacia lo opuesto, ahora es amor. El amor puede trasformar todo; el blanco que se esparce en los versos es el de la leche materna, dulce.
El azúcar queda en una capa delgada , dulce y blanca, cuando se vierte sobre una superficie. "Su sangre" crea por amor esa dulzura para el niño, vence la cebolla y el hambre. El posesivo "tu" nos lleva a la madre.Él sabe que la sangre que "produce" esa leche recibió como único alimento la cebolla. que fue transformada en escarcha de azúcar para el niño pero para ella se mantiene "cebolla y hambre"
jueves, 4 de mayo de 2023
jueves, 30 de abril de 2015
José Martí "Versos libres" "Yugo y estrella" Análisis literario
José Martí
Versos libres
Yugo y estrella
Cuando nací, sin sol, mi madre dijo:
"Flor de mi seno, Homagno generoso,
de mí y de la creación suma y reflejo,
pez que en ave y corcel y hombre se torna,
mira estas dos,que con dolor te brindo
insignias de la vida: ve y escoge
"Flor de mi seno, Homagno generoso,
de mí y de la creación suma y reflejo,
pez que en ave y corcel y hombre se torna,
mira estas dos,que con dolor te brindo
insignias de la vida: ve y escoge
Éste, es un yugo:quien lo acepta, goza.
Hace de manso buey, y como presta
servicio a los señores, duerme en paja
caliente, y tiene rica y ancha avena.
Ésta, oh misterio que de mí naciste
cual la cumbre nació de la montaña,
esta, que alumbra y mata, es una estrella.
Como que riega luz, los pecadores
huyen de quien la lleva, y en la vida,
cual un monstruo de crímenes cargado,
todo el que lleva luz se queda solo.
Pero el hombre que al buey sin pena imita,
buey torna a ser y en apagado bruto
la escala universal de nuevo empieza.
El que la estrella sin temor se ciñe,
como que crea ¡crece!
¡Cuando al mundo
de su copa el licor vació ya el vivo;
cuando, para manjar de la sangrienta
fiesta humana, sacó contento y grave
su propio corazón; cuando a los vientos
de Norte y Sur virtió su voz sagrada,
la estrella como un manto,en luz lo envuelve,
se enciende como a fiesta, el aire claro,
y el vivo que a vivir no tuvo miedo,
se oye que un paso más sube en la sombra!-
-Dame el yugo, oh mi madre, de manera
que puesto en él, de pie, luzca en mi frente
mejor la estrella que ilumina y mata-
Versos libres " Este núcleo de poemas permaneció inédito hasta 1913, fecha en que su albacea literario, Gonzalo de Quesada y Arostegui, los dio a la estampa. El libro reúne más de cuarenta composiciones escritas entre 1878 y 1882." Prof Antonio Seluja Prologo de José Martí Poesia y prosa
" Él juega aquí con el vocablo: libres, porque son endecasílabos blancos, sin consonancia ni asonancia; libres porque son versos de libertad. Sobre todo estos son sus versos." Rubén Darío
El autor expresa respecto a su obra: " Estos son mis versos. Son como son. A nadie los pedí prestados. Mientras no pude encerrar íntegras mis visiones en una forma adecuada de ella, dejé volar mis visiones: ¡Oh, cuánto áureo amigo que ya nunca ha vuelto! Pero la poesía tiene su honradez, y yo he querido ser siempre honrado. Recortar versos, también sé, pero no quiero. Así como cada hombre trae su fisonomía, cada inspiración trae su lenguaje. Amo las sonoridades difíciles, el verso escultórico, vibrante como la porcelana,volador como una ave, ardiente y arrollador como una lengua de lava. El verso ha de ser espada reluciente, que deja a los espectadores la memoria de un guerrero que camino del cielo, y al envainarla en el Sol, se rompe en alas.
Tajos son éstos de mis propias entrañas - mis guerreros- ninguno me ha salido recalentado, artificioso, recompuesto, de la mente; sino como las lágrimas salen de los ojos y la sangre sale a borbotones de la herida.
No zurcí de éste y aquél, sino sajé de mí mismo. Van escritos, no en tinta de academia, sino en mi propia sangre. Lo que aquí doy a ver lo he visto antes( yo lo he visto, yo) y he visto mucho más, que huyó sin darme tiempo a que copiara sus rasgos. -De la extrañeza, singularidad. prisa, amontonamiento, arrebato, de mis visiones, yo mismo tuve la culpa, que las he hecho ante mí como las copio. De la copia yo soy el responsable. Hallé quebrados los vestidos, y otros no y usé de estos colores. Ya sé que no son usados. Amo las sonoridades difíciles y la sinceridad, aunque pueda parecer brutal...."José Martí
" Estas palabras dicen que los poemas de Versos Libres fueron soñados...en la almohada de piedra en que desvelan al hombre de destino sus responsabilidades mayores. Encontramos aquí a un Martí erguido y desnudo, en pelea inacabable con obstáculos y propósitos; de pie, armado de su fe y alumbrado de su luz, pero herido, sangrando en los encuentros de la batalla arcangélica" Juan Marinello.
Nuestra postura ante la significación de José Martí hombre, estadista, poeta, revolucionario fue expuesta en el análisis del poema Los dos príncipes .
No conectamos, en ese momento, al autor con ningún movimiento literario. Él brilla por sí mismo.
Pero no se puede desoír la respuesta estética de una época.
Como dice el mismo Martí: "Nadie se libra de su época"
Su época. Nace a mediados del siglo XIX :Cuba bajo dominio español; el avance del imperialismo estadounidense bajo la égida del capitalismo, aplastando las naciones emergentes de Hispano-América; la poesía "con un ala rota" desmembrada en el mundo del "haber" todo es objeto de mercado, son las principales condiciones que enfrentó el poeta.No esquivó ni desoyó ninguna.
En la historia de la literatura: surgía el modernismo unido desde su nacimiento al romanticismo.
Los ecos del parnasianismo "Verso escultórico"; del simbolismo "sonoridades difíciles", el uso de los simbolos "alas" nos remiten a las fuentes de las que se alimentó el modernismo.
La presencia del individualismo: "Lo que aquí doy a ver lo he visto antes( yo lo he visto, yo)" De la inspiración directa frente a la labor creativa: "que las he hecho ante mí como las copio" traen la presencia de un romántico.
Cuando escribe Versos Libres no ha cumplido los treinta años pero ha padecido la cárcel, el exilio en su lucha por la libertad de su patria.
Un hecho importante no los publica, tal vez quisiera guardar esa faceta fuera de su apostolado, de su misión.
Ser poeta en un diálogo consigo mismo,a través del verso íntimo, sin comunicarlo. No lo sé.
Martí es Martí su talla escapa siempre de cualquier molde, en todo.
Como él expresó: "Ganado el pan hágase el verso.- (Hierro) Cumplida la ubicación vamos al análisis.
ANÁLISIS
Análisis del título
Yugo y estrella
Enlaza, en el título, dos sustantivos diferentes, desde todo punto de vista: materia, significado, cercanía, simbolismo, con la conjunción "y"
".yugo. RAE
Las cinco significaciones coinciden en la idea de sometimiento, pérdida de libertad.
"Estrella, como fulgor en la oscuridad, símbolo del espíritu....Recuerda Jung, que en los ritos de Mitra, se dice:" Soy una estrella que camina con vosotros y brilla desde lo hondo"...Diccionario de los símbolos Cirlot
En el simbolismo de la estrella domina lo inmaterial, el espíritu, la luz. Significa el ideal a seguir, que si bien es lejano hasta casi transformarse en imposible, obliga a continuar el camino bajo su guía.
El título es catafórico, adelanta las opciones que tiene el hombre frente al don de la vida: la primera, obedecer y marchar en rebaño para evitar el dolor renunciando a su esencia o la segunda, aceptar la entrega absoluta de todo, caminar solo, pero en armonía con la grandeza humana, para recibir al final la luz.
ESTRUCTURA EXTERNA
El poema se compone de treinta y cinco versos: veintiún endecasílabos (once sílabas métricas) un heptasílabo (siete silabas métricas) un tetrasílabo (cuatro) que juntos y por la grafía, harían un endecasílabo, (Señalando con la forma el momento de climax del poema, cuando se presenta la opción de la estrella,) y doce endecasílabos restantes.
ESTRUCTURA INTERNA.
Se organiza en tres momentos: primero cuando el yo alude a su nacimiento, segundo la intervención de la madre y el planteo de las opciones , tercero, la respuesta al mismo.
TEMA
El tema del poema es el sentido que cada uno da a su vida, planteado bajo dos opciones: una la conducta de rebaño,seguir sin pensar, sin decidir, solo porque implica comida y lugar seguro, pero lo gris no deja huella y la vida se pierde en la nada.
El otro aceptar la vida con sus obstáculos, sus luchas, en pos de un ideal que aleja del grupo y por eso este condena al iluminado. Pero su decisión honra la humanidad.
Género, es narrativo. Martí elige recrear una situación bajo elementos comunes, cotidianos como las parábolas bíblicas, para ilustrar un concepto metafísico.No hay manifestación directa de sentimientos ni juega un instante del yo, es un planteo racional y seguro de conceptos a seguir durante toda la vida.
El lenguaje como se analizó en la estructura externa es poético
ANÁLISIS LITERARIO
"Cuando nací, sin sol, mi madre dijo:"
El poema se abre con el origen, el comienzo de la vida. Usa el Pretérito indefinido" nací" para destacar un hecho consumado, con límites claros en el pasado. Es el retorno a la raíz del ser y su circunstancia: "sin sol".
El uso del hipérbaton ( ruptura del orden lógico-gramatical de la oración) también lo resalta.
El nacimiento y la carencia de sol en él, dan lugar a la polisemia ( varios significados). ¿Nació de noche? ¿ El nacimiento es a la conciencia y la falta de sol son las adversidades que lo rodearon? ¿ Llegó a la concepción revolucionaria sin libertad para ejercerla?¿ El sol es la sabiduría,( recordemos que Apolo es el dios del sol y la sabiduría en la mitología griega) y esta no es un don sino un logro?
¿Todos los hombres llegamos de la misma forma? La polisemia abre a cada lector su respuesta.
Pasamos al segundo momento del poema con la aparición del interlocutor, la segunda voz : la madre.
Si la llegada del yo al mundo de los vivos, generan múltiples posibles significados, las palabras de la madre las amplían :
"Flor de mi seno, Homagno generoso,
de mí y de la creación suma y reflejo,
pez que en ave y corcel y hombre se torna,"
El hálito maternal inunda los versos de amor, orgullo, preparación para el camino.
Como ya se expresó, se repite la polisemia: ¿Es la madre,es la patria, es la naturaleza,o es la vida?¿Se alejan o se suman?
La coma separa las formas de nombrarlo individualizándolas. "Flor de mi seno," el tópico literario de la flor como signo de belleza, de trascendencia de un ser en otro, ( al pertenecer al aparato reproductor de la planta), enaltece la nueva vida.
."Homagno generoso" El neologismo propio del modernismo,(hombre magno) muestra que cada ser humano nace con grandeza, con proyección hacia lo perfecto, y con la generosidad para compartirla. Seguir ese legado ya es responsabilidad de cada uno.
"de mí y de la creación suma y reflejo," La vida surge de otra individual pero también del precedente colectivo.
Se une el concepto bíblico, el hombre creado a imagen y semejanza de Yahvéh-Dios (Génesis) a la teoría de la evolución de Darwin. es reflejo de Dios y también suma de la evolución de las especies: pez,ave,corcel para culminarla en el hombre. Nombra los tres elementos: agua, aire, tierra, con símbolos claros de libertad, fundamentalmente los dos últimos "ave" "corcel", tópicos en la literatura universal.
"mira estas dos,que con dolor te brindo
insignias de la vida: ve y escoge"
Luego del saludo al hijo, a la nueva vida, vienen las opciones que la madre como tal, debe presentar.
Sabe que marcará su vida, por eso las llama "insignias". A partir de la elección va a llevar una señal como Caín en la Biblia.
Ofrece la Vida y sufre al hacerlo consciente del dolor que implica.
Rubén Darío en el poema A Phocás, el campesino ,"tarda en venir a este dolor adonde vienes", presenta el sufrimiento como único destino "al fatal pensar".Su visión es individualista.
Martí frente al mismo concepto, ofrece su entrega a la humanidad. Tal y como lo hizo en su vida, dándola al bien común, pese a todo el dolor e injusticia, que le supuso. Lo plantea igual para resto de los hombres: dar todo por el bien del Hombre.
La madre sufre al ofrecer las opciones porque una, implica la negación de la naturaleza humana "hace de manso buey" . Otro poeta cubano, Silvio Rodríguez, habla también de lo fácil que es dejarse caer en la comodidad: "el que siga buen camino tendrá sillas //peligrosas que lo inviten a parar ...//siempre vale la agonia de la prisa// aunque se llene de sillas la verdad"
Sin perder la humanidad o tal vez por la misma,dice Silvio, en el siglo XX, hay que evitar la unión de lo cómodo con lo auténtico.
Volviendo a Martí, "el buen camino" la segunda opción que ofrece la madre, también es dolorosa. La entrega absoluta renunciando a su persona. Sabe que recibirá a cambio, escarnio, desprecio y solo a la hora de la muerte, verá cumplido el objetivo; la luz que anuncia el avance de la humanidad a la meta: un mundo mejor. Él debe ver, para elegir. Hacerlo a conciencia y luego tomar su camino.
"Éste, es un yugo:quien lo acepta, goza.
Hace de manso buey, y como presta
servicio a los señores, duerme en paja
caliente, y tiene rica y ancha avena."
Se materializa en el objeto uno de los destinos, un yugo. Ya se habló, en el análisis del título, del significado del mismo.
La puntuación separa en tres partes el verso. Primero el demostrativo "Éste" muestra la cercanía del objeto y también de la opción, quizás más clara hoy que en la época de Martí. Este siglo XXI del anonimato, del individualismo fomentado, del consumismo rabioso, de la soledad, engancha con su tecnología, toda forma de vida, mutilándola y obligándola a ir, como dijo J Manrique en las postrimerías de la Edad Media:"Tras las cosas que andamos// y corremos (Coplas por la muerte de su padre)
"...es un yugo..." Indeterminado pero decisivo para la vida. De cuántas formas podemos regalar nuestra libertad. Lo triste es precisamente que no la perdemos, no nos la quitan, la damos: "quien lo acepta" .Consentimos en entregarla a cambio de "gozar". No es felicidad, ni alegría es bienestar momentáneo.
Se acata el yugo y el hombre se deshumaniza,"hace de manso buey" No lo es, lo aparenta para lograr su magro objetivo, cama y alimento.
La humanidad se divide en "señores" que someten y " manso buey" que los acepta y se afana por complacerlos.Ni uno, ni el otro generan el respeto del poeta porque envilecen. La aceptación del yugo y la pérdida de la libertad hace que el hombre-buey reciba comida, "rica y ancha avena," y un lugar de descanso propio del animal. El encabalgamiento abrupto marca que el calor de la paja viene del animal, es el continente de su brutalidad.
Martí en otra publicación desarrolla el concepto: " ...las clases obreras por su propia fuerza se levantan de su abyección al trabajo redentor e inteligente"... "irritan esas criaturas serviles, esos hombres bestias que nos llaman amo y nos veneran: es la esclavitud que los degrada; es que esos hombres mueren ; sin haber vivido; es que esos hombres avergüenzan la especie humana" "Avergüenza el hombre débil: duele, duele mucho la certidumbre del hombre bestia" (Boletín función de los meseros, trasformación de los artesanos)
"Esta, oh misterio que de mí naciste
cual la cumbre nació de la montaña,
esta, que alumbra y mata, es una estrella."
Se presenta la segunda opción: la estrella. Inicia con el mismo esquema, que presentó la opción primera, el demostrativo "Ésta" pero de inmediato da un giro y se enfoca en la dignidad de la especie humana y el misterio de la vida, que un ser engendre otro distinto.La exclamación lo señala. Nació de la madre pero es único y dueño de su destino.
Para dar claridad a la idea Martí acude a la comparación, "cual la cumbre nació de la montaña" encerrando dentro de la misma, dos símbolos complejos, montaña y cumbre, en sus posibilidades significativas.
Teillard asimila la montaña a elevación interna, o transposición espiritual de la idea de ascender.
Por sus proporciones grandiosas se identifica en China a la grandeza y generosidad del emperador.
Casi todas las tradiciones de las diferentes culturas manejan este símbolo uniéndolo a lo sagrado o espiritual.
"La montaña corresponde por su forma que, vista desde arriba, se ensancha progresivamente, al árbol invertido cuyas raíces están en el cielo y cuya copa en la parte inferior, expresa la multiplicidad, la expansión del universo, la involución y la materialización."
Eliade " la cima de la montaña cósmica no solo es el punto más alto de la tierra,es el ombligo de la tierra, el punto donde dio comienzo la creación."
El sentido místico de la cima proviene también de que es el punto de unión de cielo y tierra, centro por el cual pasa el eje del mundo, (diccionario de los símbolos Cirlot).
El hecho de que las mayoría de las culturas unan "cumbre" y "montaña" con lo místico,espiritual o divino hacen que el misterio del nacimiento pase a un plano superior. El nuevo ser ve ante sí las posibilidades infinitas, que se le abren desde lo material a lo espiritual.
Planteadas estas, ya es posible la presentación de la segunda opción. Vuelve a repetir el demostrativo, al inicio del verso, para centrar la atención "esta, que alumbra y mata, es una estrella."
La significación de la estrella fue estudiada en el análisis del título.
Elegir la estrella es tener la luz que fue negada en el nacimiento. Nace sin luz para tener la libertad de optar por ella, pero aceptarla significa la muerte de todo individualismo.Despojarse de lo personal para llevar el peso de la humanidad. Como en el Evangelio de San Mateo Sermón del Monte: " Bienaventurados los pobres de espíritu..." un vaciamiento de la persona por amor a Dios, en este caso, por amor a los hombres en poema que se estudia.
"Como que riega luz, los pecadores
huyen de quien la lleva, y en la vida,
cual un monstruo de crímenes cargado,
todo el que lleva luz se queda solo".
Ahora el poeta acude a la dualidad: luz- sombra, bien -mal, virtud- pecado. Los hombres se dividen en los portadores de la luz y los pecadores. Los primeros son los que llevan claridad , con ella iluminan el camino. Acude a la imagen "riegan" para ilustrar. Como el riego vuelve fértil la tierra, ellos prodigan la luz en bien de la humanidad.
Los que optaron por su propio bienestar, los pecadores, reniegan de la luz y de quien es su portador.
El encabalgamiento abrupto da esa idea de movimiento huidizo al prolongar parte de un verso en el siguiente. Se huye del bien porque este con su presencia denuncia el mal, el egoísmo propio.
Vuelve a usar una comparación, que a su vez implica un oxímoron (dos conceptos opuestos unidos en una misma expresión) " luz" y "monstruo de crímenes" y una hipérbole (exageración) "monstruo" "cargado".
El que lleva la luz, o sea el virtuoso aparece, ahi lo paradójico, como el monstruo cargado de crímenes. Recuerda la idea de cristiana del dolor, " toma tu cruz" y la soledad que supone.
Para el cristianismo, Jesús es quien con su sacrificio redime a la humanidad del pecado y posibilita la salvación.
Para Martí, el hombre puede elegir la estrella y volver fértil el camino estéril de los otros. Pero estos no quieren que les llegue la luz porque denuncia su falta de virtud.
Los hombres llevaron a Jesús a la muerte y el que lleva la luz es repudiado. Los dos caminan solos hacia su destino.Dice Jesús, momentos antes de su muerte: "¡Dios mío! ¡Dios mío!¡Por qué me has abandonado!"E. San Mateo y Martí "todo el que lleva la luz se queda solo". La incomprensión de los hombres genera la injusticia.
"Pero el hombre que al buey sin pena imita,
buey torna a ser y en apagado bruto
la escala universal de nuevo empieza",
"Pero" inicia una oración adversativa, limita la facilidad de la elección de los" hombres-bestia", tienen comida y cobijo pero asumen al animal que imitan. El homagno del nacimiento se vuelve " apagado", sin la luz que ilumina y que rechazó, " bruto".Pierde humanidad, grandeza y la inteligencia que conllevan. "La escala universal" el avance se rompe e involuciona. Se vuelve al comienzo.
"El que la estrella sin temor se ciñe,
como que crea ¡crece!"
La segunda opción por el contrario, la de la luz y el sacrificio, la que se ciñe con certeza y sin temor, sabiendo el dolor e incomprensión que depara, implica crecimiento . Aquí el hombre no imita crea es Homagno en busca de un destino mejor para la humanidad.Este instante marca el punto culminante del poema
¡Cuando al mundo
de su copa el licor vació ya el vivo;
cuando, para manjar de la sangrienta
fiesta humana, sacó contento y grave
su propio corazón; cuando a los vientos
de Norte y Sur virtió su voz sagrada,
Para mostrar el paso adelante de la humanidad, el poeta maneja tres oraciones subordinadas temporales que indican los momentos fundamentales de su existencia. "Cuando al mundo..." Primero: la muerte. Todo el que aprecie la vida sabe que esta corre paralela a la muerte.No hay muerte si no hay vida porque la primera es el cese de la segunda.El poema se inició con el nacimiento.
Quien vivió como "buey" no vivió, respiró, cumplió con todas las funciones vitales pero no se acercó al misterio de la vida.
Cuando Martí habla del "vivo" habla de conciencia, habla de asunción de la "estrella". La metáfora de la vida como una copa de licor,resaltada por el hipérbaton, habla de su valor.
El mundo ofrece al Homagno la copa y este la vacía sin dejar nada en su camino.
"Cuando, para manjar.." Segundo momento: su relación con el resto de la humanidad. Nuevamente recurre a la metáfora, " manjar de la sangrienta fiesta humana" Vuelve la reminiscencia cristiana de la última cena de Jesús y sus discípulos. La óptica es diferente Cristo ofrece el pan y vino, su cuerpo y sangre, para materializarse en cada ser humano por siempre. El homagno bebe la copa y ofrece su corazón a los hombres. El sentido de sacrificio es el mismo pero el de Jesús será la cruz y aquí es el corazón como alimento de la violencia y crueldad de los hombres, "de la sangrienta fiesta humana". Uno y otro aceptan su entrega con alegría y conscientes de su significado.
Tercero momento: el mensaje:"Cuando a los vientos. Este se entrega a los vientos, la naturaleza recibe y propaga . Reconoce la "voz sagrada".
Cumplida la misión, viene la recompensa
"la estrella como un manto,en luz lo envuelve,
se enciende como a fiesta, el aire claro,
y el vivo que a vivir no tuvo miedo,
se oye que un paso más sube en la sombra!"
Las comparaciones resaltan el cambio. La soledad, la violencia que sufrió en la vida se compensa con un manto de luz. La "sangrienta fiesta fiesta humana" es ahora la fiesta del aire claro que se enciende con su virtud.
Y se aclara el concepto de la estrella, es asumir la vida sin miedo. Elegir el camino propio y ser uno mismo.Simplemente eso vence la oscuridad, se avanza en la sombra un paso hacia la luz definitiva, la del ascenso.
-Dame el yugo, oh mi madre, de manera
que puesto en él, de pie, luzca en mi frente
mejor la estrella que ilumina y mata-
El guión de diálogo abre la voz al yo del primer verso. Las palabras de la madre han formado al individuo que ya dispuesto, elige. Pisa el yugo para elevarse a la estrella.Seguir ese ejemplo, seguir el apostolado de Martí nos guiaría a un hombre y un mundo mejor.
Hace de manso buey, y como presta
servicio a los señores, duerme en paja
caliente, y tiene rica y ancha avena.
Ésta, oh misterio que de mí naciste
cual la cumbre nació de la montaña,
esta, que alumbra y mata, es una estrella.
Como que riega luz, los pecadores
huyen de quien la lleva, y en la vida,
cual un monstruo de crímenes cargado,
todo el que lleva luz se queda solo.
Pero el hombre que al buey sin pena imita,
buey torna a ser y en apagado bruto
la escala universal de nuevo empieza.
El que la estrella sin temor se ciñe,
como que crea ¡crece!
¡Cuando al mundo
de su copa el licor vació ya el vivo;
cuando, para manjar de la sangrienta
fiesta humana, sacó contento y grave
su propio corazón; cuando a los vientos
de Norte y Sur virtió su voz sagrada,
la estrella como un manto,en luz lo envuelve,
se enciende como a fiesta, el aire claro,
y el vivo que a vivir no tuvo miedo,
se oye que un paso más sube en la sombra!-
-Dame el yugo, oh mi madre, de manera
que puesto en él, de pie, luzca en mi frente
mejor la estrella que ilumina y mata-
Versos libres " Este núcleo de poemas permaneció inédito hasta 1913, fecha en que su albacea literario, Gonzalo de Quesada y Arostegui, los dio a la estampa. El libro reúne más de cuarenta composiciones escritas entre 1878 y 1882." Prof Antonio Seluja Prologo de José Martí Poesia y prosa
" Él juega aquí con el vocablo: libres, porque son endecasílabos blancos, sin consonancia ni asonancia; libres porque son versos de libertad. Sobre todo estos son sus versos." Rubén Darío
El autor expresa respecto a su obra: " Estos son mis versos. Son como son. A nadie los pedí prestados. Mientras no pude encerrar íntegras mis visiones en una forma adecuada de ella, dejé volar mis visiones: ¡Oh, cuánto áureo amigo que ya nunca ha vuelto! Pero la poesía tiene su honradez, y yo he querido ser siempre honrado. Recortar versos, también sé, pero no quiero. Así como cada hombre trae su fisonomía, cada inspiración trae su lenguaje. Amo las sonoridades difíciles, el verso escultórico, vibrante como la porcelana,volador como una ave, ardiente y arrollador como una lengua de lava. El verso ha de ser espada reluciente, que deja a los espectadores la memoria de un guerrero que camino del cielo, y al envainarla en el Sol, se rompe en alas.
Tajos son éstos de mis propias entrañas - mis guerreros- ninguno me ha salido recalentado, artificioso, recompuesto, de la mente; sino como las lágrimas salen de los ojos y la sangre sale a borbotones de la herida.
No zurcí de éste y aquél, sino sajé de mí mismo. Van escritos, no en tinta de academia, sino en mi propia sangre. Lo que aquí doy a ver lo he visto antes( yo lo he visto, yo) y he visto mucho más, que huyó sin darme tiempo a que copiara sus rasgos. -De la extrañeza, singularidad. prisa, amontonamiento, arrebato, de mis visiones, yo mismo tuve la culpa, que las he hecho ante mí como las copio. De la copia yo soy el responsable. Hallé quebrados los vestidos, y otros no y usé de estos colores. Ya sé que no son usados. Amo las sonoridades difíciles y la sinceridad, aunque pueda parecer brutal...."José Martí
" Estas palabras dicen que los poemas de Versos Libres fueron soñados...en la almohada de piedra en que desvelan al hombre de destino sus responsabilidades mayores. Encontramos aquí a un Martí erguido y desnudo, en pelea inacabable con obstáculos y propósitos; de pie, armado de su fe y alumbrado de su luz, pero herido, sangrando en los encuentros de la batalla arcangélica" Juan Marinello.
Nuestra postura ante la significación de José Martí hombre, estadista, poeta, revolucionario fue expuesta en el análisis del poema Los dos príncipes .
No conectamos, en ese momento, al autor con ningún movimiento literario. Él brilla por sí mismo.
Pero no se puede desoír la respuesta estética de una época.
Como dice el mismo Martí: "Nadie se libra de su época"
Su época. Nace a mediados del siglo XIX :Cuba bajo dominio español; el avance del imperialismo estadounidense bajo la égida del capitalismo, aplastando las naciones emergentes de Hispano-América; la poesía "con un ala rota" desmembrada en el mundo del "haber" todo es objeto de mercado, son las principales condiciones que enfrentó el poeta.No esquivó ni desoyó ninguna.
En la historia de la literatura: surgía el modernismo unido desde su nacimiento al romanticismo.
Los ecos del parnasianismo "Verso escultórico"; del simbolismo "sonoridades difíciles", el uso de los simbolos "alas" nos remiten a las fuentes de las que se alimentó el modernismo.
La presencia del individualismo: "Lo que aquí doy a ver lo he visto antes( yo lo he visto, yo)" De la inspiración directa frente a la labor creativa: "que las he hecho ante mí como las copio" traen la presencia de un romántico.
Cuando escribe Versos Libres no ha cumplido los treinta años pero ha padecido la cárcel, el exilio en su lucha por la libertad de su patria.
Un hecho importante no los publica, tal vez quisiera guardar esa faceta fuera de su apostolado, de su misión.
Ser poeta en un diálogo consigo mismo,a través del verso íntimo, sin comunicarlo. No lo sé.
Martí es Martí su talla escapa siempre de cualquier molde, en todo.
Como él expresó: "Ganado el pan hágase el verso.- (Hierro) Cumplida la ubicación vamos al análisis.
ANÁLISIS
Análisis del título
Yugo y estrella
Enlaza, en el título, dos sustantivos diferentes, desde todo punto de vista: materia, significado, cercanía, simbolismo, con la conjunción "y"
".yugo. RAE
1. m. Instrumento de madera al cual, formando yunta, se uncen por el cuello las mulas, o por la cabeza o
el cuello, los bueyes, y en el que va sujeta la lanza o pértigo del carro, el timón del arado, etc.
el cuello, los bueyes, y en el que va sujeta la lanza o pértigo del carro, el timón del arado, etc.
5. m. Especie de horca, por debajo de la cual, en tiempos de la antigua Roma, hacían pasar sin armas a los enemigos vencidos".
"Estrella, como fulgor en la oscuridad, símbolo del espíritu....Recuerda Jung, que en los ritos de Mitra, se dice:" Soy una estrella que camina con vosotros y brilla desde lo hondo"...Diccionario de los símbolos Cirlot
En el simbolismo de la estrella domina lo inmaterial, el espíritu, la luz. Significa el ideal a seguir, que si bien es lejano hasta casi transformarse en imposible, obliga a continuar el camino bajo su guía.
El título es catafórico, adelanta las opciones que tiene el hombre frente al don de la vida: la primera, obedecer y marchar en rebaño para evitar el dolor renunciando a su esencia o la segunda, aceptar la entrega absoluta de todo, caminar solo, pero en armonía con la grandeza humana, para recibir al final la luz.
ESTRUCTURA EXTERNA
El poema se compone de treinta y cinco versos: veintiún endecasílabos (once sílabas métricas) un heptasílabo (siete silabas métricas) un tetrasílabo (cuatro) que juntos y por la grafía, harían un endecasílabo, (Señalando con la forma el momento de climax del poema, cuando se presenta la opción de la estrella,) y doce endecasílabos restantes.
ESTRUCTURA INTERNA.
Se organiza en tres momentos: primero cuando el yo alude a su nacimiento, segundo la intervención de la madre y el planteo de las opciones , tercero, la respuesta al mismo.
TEMA
El tema del poema es el sentido que cada uno da a su vida, planteado bajo dos opciones: una la conducta de rebaño,seguir sin pensar, sin decidir, solo porque implica comida y lugar seguro, pero lo gris no deja huella y la vida se pierde en la nada.
El otro aceptar la vida con sus obstáculos, sus luchas, en pos de un ideal que aleja del grupo y por eso este condena al iluminado. Pero su decisión honra la humanidad.
Género, es narrativo. Martí elige recrear una situación bajo elementos comunes, cotidianos como las parábolas bíblicas, para ilustrar un concepto metafísico.No hay manifestación directa de sentimientos ni juega un instante del yo, es un planteo racional y seguro de conceptos a seguir durante toda la vida.
El lenguaje como se analizó en la estructura externa es poético
ANÁLISIS LITERARIO
"Cuando nací, sin sol, mi madre dijo:"
El poema se abre con el origen, el comienzo de la vida. Usa el Pretérito indefinido" nací" para destacar un hecho consumado, con límites claros en el pasado. Es el retorno a la raíz del ser y su circunstancia: "sin sol".
El uso del hipérbaton ( ruptura del orden lógico-gramatical de la oración) también lo resalta.
El nacimiento y la carencia de sol en él, dan lugar a la polisemia ( varios significados). ¿Nació de noche? ¿ El nacimiento es a la conciencia y la falta de sol son las adversidades que lo rodearon? ¿ Llegó a la concepción revolucionaria sin libertad para ejercerla?¿ El sol es la sabiduría,( recordemos que Apolo es el dios del sol y la sabiduría en la mitología griega) y esta no es un don sino un logro?
¿Todos los hombres llegamos de la misma forma? La polisemia abre a cada lector su respuesta.
Pasamos al segundo momento del poema con la aparición del interlocutor, la segunda voz : la madre.
Si la llegada del yo al mundo de los vivos, generan múltiples posibles significados, las palabras de la madre las amplían :
"Flor de mi seno, Homagno generoso,
de mí y de la creación suma y reflejo,
pez que en ave y corcel y hombre se torna,"
El hálito maternal inunda los versos de amor, orgullo, preparación para el camino.
Como ya se expresó, se repite la polisemia: ¿Es la madre,es la patria, es la naturaleza,o es la vida?¿Se alejan o se suman?
La coma separa las formas de nombrarlo individualizándolas. "Flor de mi seno," el tópico literario de la flor como signo de belleza, de trascendencia de un ser en otro, ( al pertenecer al aparato reproductor de la planta), enaltece la nueva vida.
."Homagno generoso" El neologismo propio del modernismo,(hombre magno) muestra que cada ser humano nace con grandeza, con proyección hacia lo perfecto, y con la generosidad para compartirla. Seguir ese legado ya es responsabilidad de cada uno.
"de mí y de la creación suma y reflejo," La vida surge de otra individual pero también del precedente colectivo.
Se une el concepto bíblico, el hombre creado a imagen y semejanza de Yahvéh-Dios (Génesis) a la teoría de la evolución de Darwin. es reflejo de Dios y también suma de la evolución de las especies: pez,ave,corcel para culminarla en el hombre. Nombra los tres elementos: agua, aire, tierra, con símbolos claros de libertad, fundamentalmente los dos últimos "ave" "corcel", tópicos en la literatura universal.
"mira estas dos,que con dolor te brindo
insignias de la vida: ve y escoge"
Luego del saludo al hijo, a la nueva vida, vienen las opciones que la madre como tal, debe presentar.
Sabe que marcará su vida, por eso las llama "insignias". A partir de la elección va a llevar una señal como Caín en la Biblia.
Ofrece la Vida y sufre al hacerlo consciente del dolor que implica.
Rubén Darío en el poema A Phocás, el campesino ,"tarda en venir a este dolor adonde vienes", presenta el sufrimiento como único destino "al fatal pensar".Su visión es individualista.
Martí frente al mismo concepto, ofrece su entrega a la humanidad. Tal y como lo hizo en su vida, dándola al bien común, pese a todo el dolor e injusticia, que le supuso. Lo plantea igual para resto de los hombres: dar todo por el bien del Hombre.
La madre sufre al ofrecer las opciones porque una, implica la negación de la naturaleza humana "hace de manso buey" . Otro poeta cubano, Silvio Rodríguez, habla también de lo fácil que es dejarse caer en la comodidad: "el que siga buen camino tendrá sillas //peligrosas que lo inviten a parar ...//siempre vale la agonia de la prisa// aunque se llene de sillas la verdad"
Sin perder la humanidad o tal vez por la misma,dice Silvio, en el siglo XX, hay que evitar la unión de lo cómodo con lo auténtico.
Volviendo a Martí, "el buen camino" la segunda opción que ofrece la madre, también es dolorosa. La entrega absoluta renunciando a su persona. Sabe que recibirá a cambio, escarnio, desprecio y solo a la hora de la muerte, verá cumplido el objetivo; la luz que anuncia el avance de la humanidad a la meta: un mundo mejor. Él debe ver, para elegir. Hacerlo a conciencia y luego tomar su camino.
"Éste, es un yugo:quien lo acepta, goza.
Hace de manso buey, y como presta
servicio a los señores, duerme en paja
caliente, y tiene rica y ancha avena."
Se materializa en el objeto uno de los destinos, un yugo. Ya se habló, en el análisis del título, del significado del mismo.
La puntuación separa en tres partes el verso. Primero el demostrativo "Éste" muestra la cercanía del objeto y también de la opción, quizás más clara hoy que en la época de Martí. Este siglo XXI del anonimato, del individualismo fomentado, del consumismo rabioso, de la soledad, engancha con su tecnología, toda forma de vida, mutilándola y obligándola a ir, como dijo J Manrique en las postrimerías de la Edad Media:"Tras las cosas que andamos// y corremos (Coplas por la muerte de su padre)
"...es un yugo..." Indeterminado pero decisivo para la vida. De cuántas formas podemos regalar nuestra libertad. Lo triste es precisamente que no la perdemos, no nos la quitan, la damos: "quien lo acepta" .Consentimos en entregarla a cambio de "gozar". No es felicidad, ni alegría es bienestar momentáneo.
Se acata el yugo y el hombre se deshumaniza,"hace de manso buey" No lo es, lo aparenta para lograr su magro objetivo, cama y alimento.
La humanidad se divide en "señores" que someten y " manso buey" que los acepta y se afana por complacerlos.Ni uno, ni el otro generan el respeto del poeta porque envilecen. La aceptación del yugo y la pérdida de la libertad hace que el hombre-buey reciba comida, "rica y ancha avena," y un lugar de descanso propio del animal. El encabalgamiento abrupto marca que el calor de la paja viene del animal, es el continente de su brutalidad.
Martí en otra publicación desarrolla el concepto: " ...las clases obreras por su propia fuerza se levantan de su abyección al trabajo redentor e inteligente"... "irritan esas criaturas serviles, esos hombres bestias que nos llaman amo y nos veneran: es la esclavitud que los degrada; es que esos hombres mueren ; sin haber vivido; es que esos hombres avergüenzan la especie humana" "Avergüenza el hombre débil: duele, duele mucho la certidumbre del hombre bestia" (Boletín función de los meseros, trasformación de los artesanos)
"Esta, oh misterio que de mí naciste
cual la cumbre nació de la montaña,
esta, que alumbra y mata, es una estrella."
Se presenta la segunda opción: la estrella. Inicia con el mismo esquema, que presentó la opción primera, el demostrativo "Ésta" pero de inmediato da un giro y se enfoca en la dignidad de la especie humana y el misterio de la vida, que un ser engendre otro distinto.La exclamación lo señala. Nació de la madre pero es único y dueño de su destino.
Para dar claridad a la idea Martí acude a la comparación, "cual la cumbre nació de la montaña" encerrando dentro de la misma, dos símbolos complejos, montaña y cumbre, en sus posibilidades significativas.
Teillard asimila la montaña a elevación interna, o transposición espiritual de la idea de ascender.
Por sus proporciones grandiosas se identifica en China a la grandeza y generosidad del emperador.
Casi todas las tradiciones de las diferentes culturas manejan este símbolo uniéndolo a lo sagrado o espiritual.
"La montaña corresponde por su forma que, vista desde arriba, se ensancha progresivamente, al árbol invertido cuyas raíces están en el cielo y cuya copa en la parte inferior, expresa la multiplicidad, la expansión del universo, la involución y la materialización."
Eliade " la cima de la montaña cósmica no solo es el punto más alto de la tierra,es el ombligo de la tierra, el punto donde dio comienzo la creación."
El sentido místico de la cima proviene también de que es el punto de unión de cielo y tierra, centro por el cual pasa el eje del mundo, (diccionario de los símbolos Cirlot).
El hecho de que las mayoría de las culturas unan "cumbre" y "montaña" con lo místico,espiritual o divino hacen que el misterio del nacimiento pase a un plano superior. El nuevo ser ve ante sí las posibilidades infinitas, que se le abren desde lo material a lo espiritual.
Planteadas estas, ya es posible la presentación de la segunda opción. Vuelve a repetir el demostrativo, al inicio del verso, para centrar la atención "esta, que alumbra y mata, es una estrella."
La significación de la estrella fue estudiada en el análisis del título.
Elegir la estrella es tener la luz que fue negada en el nacimiento. Nace sin luz para tener la libertad de optar por ella, pero aceptarla significa la muerte de todo individualismo.Despojarse de lo personal para llevar el peso de la humanidad. Como en el Evangelio de San Mateo Sermón del Monte: " Bienaventurados los pobres de espíritu..." un vaciamiento de la persona por amor a Dios, en este caso, por amor a los hombres en poema que se estudia.
"Como que riega luz, los pecadores
huyen de quien la lleva, y en la vida,
cual un monstruo de crímenes cargado,
todo el que lleva luz se queda solo".
Ahora el poeta acude a la dualidad: luz- sombra, bien -mal, virtud- pecado. Los hombres se dividen en los portadores de la luz y los pecadores. Los primeros son los que llevan claridad , con ella iluminan el camino. Acude a la imagen "riegan" para ilustrar. Como el riego vuelve fértil la tierra, ellos prodigan la luz en bien de la humanidad.
Los que optaron por su propio bienestar, los pecadores, reniegan de la luz y de quien es su portador.
El encabalgamiento abrupto da esa idea de movimiento huidizo al prolongar parte de un verso en el siguiente. Se huye del bien porque este con su presencia denuncia el mal, el egoísmo propio.
Vuelve a usar una comparación, que a su vez implica un oxímoron (dos conceptos opuestos unidos en una misma expresión) " luz" y "monstruo de crímenes" y una hipérbole (exageración) "monstruo" "cargado".
El que lleva la luz, o sea el virtuoso aparece, ahi lo paradójico, como el monstruo cargado de crímenes. Recuerda la idea de cristiana del dolor, " toma tu cruz" y la soledad que supone.
Para el cristianismo, Jesús es quien con su sacrificio redime a la humanidad del pecado y posibilita la salvación.
Para Martí, el hombre puede elegir la estrella y volver fértil el camino estéril de los otros. Pero estos no quieren que les llegue la luz porque denuncia su falta de virtud.
Los hombres llevaron a Jesús a la muerte y el que lleva la luz es repudiado. Los dos caminan solos hacia su destino.Dice Jesús, momentos antes de su muerte: "¡Dios mío! ¡Dios mío!¡Por qué me has abandonado!"E. San Mateo y Martí "todo el que lleva la luz se queda solo". La incomprensión de los hombres genera la injusticia.
"Pero el hombre que al buey sin pena imita,
buey torna a ser y en apagado bruto
la escala universal de nuevo empieza",
"Pero" inicia una oración adversativa, limita la facilidad de la elección de los" hombres-bestia", tienen comida y cobijo pero asumen al animal que imitan. El homagno del nacimiento se vuelve " apagado", sin la luz que ilumina y que rechazó, " bruto".Pierde humanidad, grandeza y la inteligencia que conllevan. "La escala universal" el avance se rompe e involuciona. Se vuelve al comienzo.
"El que la estrella sin temor se ciñe,
como que crea ¡crece!"
La segunda opción por el contrario, la de la luz y el sacrificio, la que se ciñe con certeza y sin temor, sabiendo el dolor e incomprensión que depara, implica crecimiento . Aquí el hombre no imita crea es Homagno en busca de un destino mejor para la humanidad.Este instante marca el punto culminante del poema
¡Cuando al mundo
de su copa el licor vació ya el vivo;
cuando, para manjar de la sangrienta
fiesta humana, sacó contento y grave
su propio corazón; cuando a los vientos
de Norte y Sur virtió su voz sagrada,
Para mostrar el paso adelante de la humanidad, el poeta maneja tres oraciones subordinadas temporales que indican los momentos fundamentales de su existencia. "Cuando al mundo..." Primero: la muerte. Todo el que aprecie la vida sabe que esta corre paralela a la muerte.No hay muerte si no hay vida porque la primera es el cese de la segunda.El poema se inició con el nacimiento.
Quien vivió como "buey" no vivió, respiró, cumplió con todas las funciones vitales pero no se acercó al misterio de la vida.
Cuando Martí habla del "vivo" habla de conciencia, habla de asunción de la "estrella". La metáfora de la vida como una copa de licor,resaltada por el hipérbaton, habla de su valor.
El mundo ofrece al Homagno la copa y este la vacía sin dejar nada en su camino.
"Cuando, para manjar.." Segundo momento: su relación con el resto de la humanidad. Nuevamente recurre a la metáfora, " manjar de la sangrienta fiesta humana" Vuelve la reminiscencia cristiana de la última cena de Jesús y sus discípulos. La óptica es diferente Cristo ofrece el pan y vino, su cuerpo y sangre, para materializarse en cada ser humano por siempre. El homagno bebe la copa y ofrece su corazón a los hombres. El sentido de sacrificio es el mismo pero el de Jesús será la cruz y aquí es el corazón como alimento de la violencia y crueldad de los hombres, "de la sangrienta fiesta humana". Uno y otro aceptan su entrega con alegría y conscientes de su significado.
Tercero momento: el mensaje:"Cuando a los vientos. Este se entrega a los vientos, la naturaleza recibe y propaga . Reconoce la "voz sagrada".
Cumplida la misión, viene la recompensa
"la estrella como un manto,en luz lo envuelve,
se enciende como a fiesta, el aire claro,
y el vivo que a vivir no tuvo miedo,
se oye que un paso más sube en la sombra!"
Las comparaciones resaltan el cambio. La soledad, la violencia que sufrió en la vida se compensa con un manto de luz. La "sangrienta fiesta fiesta humana" es ahora la fiesta del aire claro que se enciende con su virtud.
Y se aclara el concepto de la estrella, es asumir la vida sin miedo. Elegir el camino propio y ser uno mismo.Simplemente eso vence la oscuridad, se avanza en la sombra un paso hacia la luz definitiva, la del ascenso.
-Dame el yugo, oh mi madre, de manera
que puesto en él, de pie, luzca en mi frente
mejor la estrella que ilumina y mata-
El guión de diálogo abre la voz al yo del primer verso. Las palabras de la madre han formado al individuo que ya dispuesto, elige. Pisa el yugo para elevarse a la estrella.Seguir ese ejemplo, seguir el apostolado de Martí nos guiaría a un hombre y un mundo mejor.
miércoles, 29 de octubre de 2014
CANCIÓN DE JINETE " CANCIONES" FEDERICO GARCÍA LORCA
ANÁLISIS LITERARIO
Canción del jinete
Córdoba.
Lejana y sola.
Jaca negra, luna grande,
y aceitunas en mi alforja.
Aunque sepa los caminos
yo nunca llegaré a Córdoba.
Por el llano, por el viento,
jaca negra, luna roja.
La muerte me está esperando
desde las torres de Córdoba.
¡Ay qué camino tan largo!
¡Ay mi jaca valerosa!
¡Ay que la muerte me espera,
antes de llegar a Córdoba!
Córdoba.
Lejana y sola.
Antes de iniciar el análisis del poema es necesario acercarnos a la concepción estética de Federico García Lorca.
En la antología de Gerardo Diego expresa: " Si es verdad que soy poeta por la gracia de Dios- o del demonio-; también lo es que lo soy por la gracia de la técnica y del esfuerzo, y de darme cuenta en absoluto de lo que es un poema"
"La inspiración,-expresó en otra circunstancia,- da la imagen pero no el vestido. y para el vestido hay que observar (...) la cualidad y sonoridad de la palabra."
En su conferencia Teoría y juego del duende "Así pues el duende es un poder y no un obrar, es un luchar y no un pensar"..."El duende de que hablo, oscuro y estremecido, es descendiente de aquel alegrísimo demonio de Sócrates..."
"El ángel deslumbra, pero vuela sobre la cabeza del hombre, está por encima, derrama su gracia, y el hombre, sin ningún esfuerzo, realiza su obra o su simpatía, o su danza... Ángel y musa vienen de fuera; el ángel da luces y la musa da formas... En cambio al duende hay que despertarlo en las últimas habitaciones de la sangre...La verdadera lucha es con el duende...Con idea, con sonido o con gestos, el duende gusta de los bordes del pozo en franca lucha con el creador."
" Lorca es en efecto, dueño de una poética muy precisa y coherente además de abundante" Expresa Miguel García Posada Poesía de la generación de 27 Federico García Lorca, Rafael Alberti.
Analizar un poema de Federico García Lorca es enfrentar la absoluta conciencia de la Poesía y saber que mucho quedará por hacer.
Dentro de la poesía lorquiana hay dos poemas con igual título y tema. A los dos los ubica en Canciones, con el subtítulo de Andaluzas separados solo por cuatro poemas.
Es un desafío que muestra la genialidad del autor.Usa los mismos símbolos, la única diferencia es la concreción de la muerte, en la primera, dentro del orden del poemario, el jinete ya ha muerto,en la segunda muestra la certeza de su llegada
. La musicalidad de la primera emana un ritmo más rápido, no hay angustia domina la realidad de la muerte que dada su condición aparece enmarcada en el paisaje andaluz. como lo expresa el autor en el subtítulo. Hay vivencias que solo se sienten en Andalucía, pero la de Federico, sometida al proceso de trasformación de su mirada. No es lo mismo color local que vivencia, la diferencia se agranda si se trata de un poeta de la talla del que hablamos.
La segunda, tema de nuestro análisis, se comprime en ritmo y alusiones, lo necesario para enfrentar la muerte. Da entrada al yo lírico que exprese directamente el sentimiento.
CANCIÓN DEL JINETE
En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
Los poemas comparten su ubicación en Canciones. Ya expresamos la importancia que tiene la forma en la poesía lorquiana. Es la música de las palabras y en García Lorca poeta, juglar y músico se completan las tres en arte.
Alfredo De La Guardia, García Lorca Persona y creación" En estas dos Canciones de jinete, la claridad lunar se deshace sobre el caballo y el caballero. Una aureola de luz misteriosa, un rayo espectral, los envuelve, pues aquí es donde, por primera vez, se enlazan los temas de la luna, el jinete y la muerte, imágenes esenciales en la poesía de Lorca.
La luna
Dice Cirlot en Diccionario de los símbolos respecto a la luna: ..."Estas fases, por analogía, se parecen a las estaciones anuales, a las edades del hombre, y determinan una mayor proximidad de la luna a lo biológico, sometido también a la ley del cambio, al crecimiento ( juventud, madurez) y al decrecimiento( madurez, ancianidad) De ahí la creencia mítica de que la etapa de invisibilidad de la luna corresponde a la de la muerte en el hombre"
Miguel Garcia Posada : " Se configura así un sistema simbólico a la vez polivalente y preciso, cuyos elementos centrales son la luna, el agua, la sangre, el caballo, las hierbas, los metales, que remite sin lugar a dudas a aquella " tremenda lógica poética" de la que hablaba el autor"
Alfredo De La Guardia : "El tema lunar aparecerá en la lírica de García Lorca lo mismo que una frase predilecta en una sinfonía y adquirirá su máximo desenvolvimiento cuando llega la luna a la fragua gitana. (Romancero gitano, romance de la luna, luna)
Bodas de sangre dará después todo su contenido dramático."
Caballo- jinete
Cirlot: "su simbolismo es muy complejo, y, hasta cierto punto, no bien determinado. Para Eliade es un animal ctónico-funerario ..."
P Salinas Ensayos de literatura hispánica García Lorca y la cultura de la muerte: "La famosa imagen del jinete, del caballista tan natural a la campiña andaluza, cargada va de significación mortal. El jinete nunca llegará a su término de viaje, porque desde las torres de Córdoba le avizora la muerte"
Alfredo De La Guardia:"...otra imagen fundamental, en la lírica lorquiana: la imagen del jinete, cuya raíz debe buscarse en los viejos romances anónimos.En los primeros poemas no galopa este caballista mas sí un jinete místico Santiago "peregrino celeste"... En Canciones es donde viene ya en jaca andaluza, con el contorno de un contrabandista o de un bandido generoso."
Muerte no es símbolo es presencia, tema constante en la creación lorquiana.
ANÁLISIS LITERARIO
Título Es catafórico, dentro de la simbología lorquiana, adelanta la presencia de la muerte. No es un canto funerario es una reflexión existencial del dualismo eterno: vida- muerte, una crea a la otra.
"Canción", por ser una sublimación estética de una realidad humana.... "de jinete", sin artículo, porque no singulariza, es el hombre cabalgando hacia su muerte, como en la otra era el hombre muerto sobre el caballo.
Estructura externa Es circular comienza y termina con el mismo par de versos El poema se ordena en doce versos : principio y final: dos versos, centro: tres estrofas de cuatro versos octosílabos.
No hay rima regular, pero sí asonancia en "e" "a" "o" y coincidencia en la palabra del final de las estrofas centrales: "Córdoba".
Estructura interna Parte de una ubicación espacial, Córdoba, pero pronto gana el clima irreal pese al dato concreto.La soledad de la ciudad nos lleva a la presencia de un yo lírico( expresión directa de sentimientos)
La enumeración siguiente nos da el perfil del jinete y la conciencia de otra meta que no era la elegida.
Sigue el camino que lo arrastra y la cercanía de la ciudad la muestra totalmente inaccesible, porque, pese a verse las torres, en ellas la muerte lo mira.Vienen luego, los tres lamentos marcando su llegada.
Y termina la aseveración del poeta. "Córdoba" lo inerte permanece pero ya no hay jinete que quiera llegar.
" Córdoba// lejana y sola." Pisamos Andalucía, y se presenta al lector-oyente la ciudad de Córdoba. Ya se estudió en la introducción, que el paisaje andaluz, sale del alma del autor, de su mirada, con las resonancias que esto implica. Esta Córdoba no es un espacio reconocible en la geografía. Es la de García Lorca, su infancia, su pueblo, los gitanos, "el cante jondo" y su sentir.
Su presencia es contundente como las dos sílabas métricas que contienen el primer verso,( en versificación española la esdrújula pierde una sílaba) las tres de su nombre y la oración unimembre.
Le adjudica dos adjetivos que van creando el clima del poema, el espacio que va a contener la vida y la muerte.Los instantes donde las paralelas se juntan en ese punto sin retorno: el fin.
La ausencia del verbo concentra el significado. "Lejana· porque aunque esté a la vista del jinete, no ha llegado, tiene que cabalgar hacia ella... "y sola" La personificación le otorga el sentimiento de soledad y la vuelve inaccesible. Si algo caracteriza a una ciudad es la gente que la habita, está sola porque la vida-muerte la alejan indefinidamente del hombre que cabalgaba hacia ella.
"Jaca negra, luna grande,/ y aceitunas en mi alforja" Inicia la segunda estrofa con una enumeración que combina las posesiones del yo lírico y las mezcla con un entorno y un tiempo. Seguimos con elipsis verbal, no hay acción, es el ser del hombre. Qué lo define, dónde y en qué momento está.Cabalga en jaca, raza de caballo típica de Andalucía y su alimento también lo es: aceitunas. Estamos frente a un viajero andaluz, carga alforjas,porque viene de un sitio lo suficientemente lejano como para llevar provisiones pero marcha ya en su tierra. Los adjetivos vuelven a dirigir la mirada a lo irreal; pese a lo cotidiano, que enuncian los sustantivos. El caballo es negro, simboliza la muerte. Estamos en la noche donde una luna grande ilumina el paisaje con mismo significado.Su luz baña al jinete y el presentimiento se instala estremeciendo todo el poema.
No es la muerte que se presenta a don Rodrigo, (Coplas por la muerte de su padre. J Manrique) enmarcada dentro del esquema teocéntrico, donde "Este mundo es el camino// para el otro que es morada// sin pesar". La muerte que asegura al maestre el pasaje a la gloria: " en la su villa d' Ocaña// vino la muerte a llamar// a su puerta// diziendo: buen caballero// dexad el mundo engañoso.."
No, aquí, fuera de la respuesta religiosa de un más allá de felicidad, tenemos un acá lleno de incertidumbre.
La única certeza del jinete:" Aunque sepa los caminos//yo nunca llegaré a Córdoba", es la muerte. Aparece el primer verbo en el poema, :saber conjugado en primera persona del singular, presente, modo indicativo.Estamos en el momento preciso del aliento, el ahora del yo lírico pero su proyección al futuro inmediato es negativa, no logrará su objetivo: llegar a Córdoba. "Aunque sepa los caminos" a su vista está la ciudad, todas las formas de llegar pero su futuro es otro."... yo nunca llegaré a Córdoba". Los dos últimos versos de la estrofa están encabalgados para pautar con el ritmo, la aceleración del yo lírico, por arribar, desoyendo la verdad de su destino. El pronombre personal se usa también para resaltar los sentimientos del jinete, es innecesario en español porque la persona surge del verbo conjugado.
La estrofa tercera se abre con la idea de ese tránsito rápido por los campos cordobeses: "Por el llano, por el viento" La preposición desliza la carrera por tierra, "llano" y aire, "viento" el impulso va en aumento con la certeza de la inutilidad del desafío.
El tercer verso del poema se repite casi textualmente en el octavo, cambia solo un adjetivo la luna grande se tiñe de rojo. La repetición genera un ritmo rápido que empieza a jugar con la angustia del jinete cada vez mayor. Este quiere llegar a Córdoba porque piensa vencer a la muerte.Recordemos El romance del enamorado y la muerte: "la muerte me está buscando// junto a ti vida sería" Frente a la presencia del fin se busca evitarlo. El enamorado con el amor y el jinete con la llegada. Pero a su carrera la ilumina una luna roja que muestra la marcha lenta pero erreversible de la muerte.
" La muerte me está mirando// desde las torres de Córdoba"
La niña, en el romance, le tira cordón de seda para que suba a ella y sin quererlo se vuelve el instrumento de la muerte.
El jinete ve a la muerte justo donde esperaba evitarla, en las torres de Córdoba.Los dos poetas juegan con la altura.La caída del enamorado" la fina seda se rompe" es la visión del jinete de la muerte.La perífrasis verbal junto al pronombre personal. " me está mirando" le da inmediatez al proceso. Pensó ir a la vida pero se equivocó.
Llegamos al clímax del poema, la muerte está aquí y ahora, el jinete lo asume.
martes, 5 de agosto de 2014
Análisis del poema "Los dos príncipes" José Martí
JOSÉ MARTÍ
VERSOS EN LA EDAD DE ORO
LOS DOS PRÍNCIPES
Idea de la poetisa norteamericana Helen Hunt Jackson
El palacio está de luto
y en el trono llora el rey,
y la reina está llorando
donde no la pueden ver:
en pañuelos de holán fino
lloran la reina y el rey:
Los señores del palacio
están llorando también.
Los caballos llevan negro
el penacho y el arnés:
los caballos no han comido,
porque no quieren comer:
el laurel del patio grande
quedó sin hoja esta vez:
todo el mundo fue al entierro
con coronas de laurel:
-¡El hijo del rey se ha muerto!
¡Se le ha muerto el hijo al rey!
VERSOS EN LA EDAD DE ORO
LOS DOS PRÍNCIPES
Idea de la poetisa norteamericana Helen Hunt Jackson
El palacio está de luto
y en el trono llora el rey,
y la reina está llorando
donde no la pueden ver:
en pañuelos de holán fino
lloran la reina y el rey:
Los señores del palacio
están llorando también.
Los caballos llevan negro
el penacho y el arnés:
los caballos no han comido,
porque no quieren comer:
el laurel del patio grande
quedó sin hoja esta vez:
todo el mundo fue al entierro
con coronas de laurel:
-¡El hijo del rey se ha muerto!
¡Se le ha muerto el hijo al rey!
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jueves, 29 de mayo de 2014
ANÁLISIS DEL POEMA: " PALABRAS PARA JULIA " DE JOSÉ.AGUSTÍN. GOYTISOLO
Palabras
para Julia
José Agustín Goytisolo
Tú
no puedes volver atrás
porque
la vida ya te empuja
como
un aullido interminable.
Hija
mía es mejor vivir
con
la alegría de los hombres
que
llorar ante un muro ciego.
Te
sentirás acorralada
te
sentirás perdida o sola
tal
vez querrás no haber nacido.
Yo
sé muy bien que te dirán
que
la vida no tiene objeto
que
es un asunto desgraciado.
Entonces
siempre acuérdate
de
lo que un día yo escribí
pensando
en ti como ahora pienso.
Un
hombre solo, una mujer
así
tomados, de uno en uno
son
como polvo, no son nada.
Pero
yo cuando te hablo a ti
cuando
te escribo estas palabras
pienso
también en otros hombres.
Tu
destino está en los demás
tu
futuro es tu propia vida
tu
dignidad es la de todos.
Otros
esperan que resistas
que
les ayude tu alegría
tu
canción entre sus canciones.
Entonces
siempre acuérdate
de
lo que un día yo escribí
pensando
en ti como ahora pienso.
Nunca
te entregues ni te apartes
junto
al camino, nunca digas
no
puedo más y aquí me quedo.
La
vida es bella, tú verás
como
a pesar de los pesares
tendrás
amor, tendrás amigos
Por
lo demás no hay elección
y este mundo tal como es
será
todo tu patrimonio.
Perdóname
no sé decirte
nada
más pero tú comprende
que
aún yo estoy en el camino
Y siempre siempre acuérdate
de
lo que un día yo escribí
pensando
en ti como ahora pienso.
ESTRUCTURA EXTERNA,: se compone de cuarenta y cinco versos en su mayoría eneasílabos,organizados en quince tercetos.No se observa rima regular en ninguna de sus formas, consonancia o asonancia
GÉNERO: lírico, expresión directa de sentimientos y pensamientos, es un mensaje de un yo a un tú El lector queda fuera pero al ser comunicación literaria, asiste como espectador.
No es un poema abierto, es un diálogo poético, un padre le habla a su hija, le da mayor intimidad, como lo estudiamos en el poema de M. Hernández Las nanas de la cebolla.
ESTRUCTURA INTERNA Cada terceto enfoca un tema existencial que refiere al empuje de la vida, sus problemas, sus alegrías y cómo enfrentarlos. Un primer momento refiere a Julia como individuo frente a la vida.Como sostén aparece el leit motiv , marcando la presencia del padre en su responsabilidad de asistir, guiar y amar al hijo. Luego pasamos al segundo momento, el compromiso socio político y Julia se transforma en ejemplo de y para los jóvenes, termina cuando se vuelve al uso del leit motiv, justificación de las palabras . El tercer momento es un retorno al ser de la hija, a su persona.y culmina el poema con el leit motiv,.despedida y presencia permanente de sus palabras en ella.
ANÁLISIS DEL TÍTULO Palabras para Julia Es catafórico, nos adelanta, nos prepara en forma y contenido.
Las palabras son una unidad significativa de la comunicación, del lenguaje oral y escrito.
Aquí las palabras refieren al código del mensaje de un emisor a un receptor pero al tener contenido poético se abre el abanico de conceptos y valor estético.
Cierra el canal de recepción al especificar "para Julia".
Pero la profundidad y la belleza del poema hacen, como ya se expresó, que cada padre encuentre su voz en la del poeta y Julia sea como aparece en la estrofa séptima símbolo de "otros..."
ANÁLISIS
"Tú no puedes volver atrás// porque la vida ya te empuja// como un aullido interminable"
Comienza con el pronombre personal, segunda persona del singular, innecesario en lengua española, pues se deduce por el verbo conjugado. pero imprescindible para marcar el tono de diálogo en la poesía. La negación parte del yo lírico y lo abarca a él y al "tú".
Sentir el fluir del tiempo en el hijo, implica su crecimiento y la separación del mundo protector creado por los padres. El yo lírico no quiere que crezca pero sabe la imposibilidad de esa lucha. Acepta y quiere que Julia también lo haga.
El fluir del río de J Manrique " Nuestra vidas son los ríos// que que van a dar a la mar " O de A. Yupanqui " tú que puedes vuélvete// me dijo el río llorando...".
No se puede volver atrás, la vida se anda, no se desanda.
El ritmo es mucho más vertiginoso que en los poetas anteriores, " empuja" "aullido interminable".
Tiempo y vida marchan paralelos, de ahí la fuerza de la personificación y el adverbio de tiempo "ya". El empuje impide detenerse en las etapas, la vida como una persona, nos lleva a su paso.
"..ya..." da la inmediatez del proceso.
El poeta usa la comparación para ilustrar el concepto. El empuje de la vida es "como un aullido interminable" Aullido nos sitúa en el instinto, en lo irracional, no se puede explicar.
Es la vida en su plena manifestación , siempre potente, siempre presente, inagotable e infinita. Los seres vivos perecen pero el devenir de ella, hace que sea interminable y constante.El poeta logra esa prolongación con el uso del encabalgamiento triple
"Hija mía es mejor vivir//con la alegría de los hombres// que llorar ante un muro ciego."
La segunda estrofa vuelve más íntimo el diálogo, el tú se transforma en "hija mía" La relación con el yo lírico ya está expuesta y el sentimiento, resaltado por el posesivo que sucede al sustantivo.
No indica pertenencia sino el grado de cercanía que los vincula.
.Si la vida empuja hay que vivir cada momento en toda su intensidad.
¿ Cómo? El yo lírico, el padre, le plantea dos caminos, uno, unida a los demás seres empujados como ella por el "aullido" vital, o el otro, aislándose del resto de los hombres.
En el primero puede encontrar la alegría que da la solidaridad, la comunicación, la experiencia, Somos seres sociales, el grupo ampara al individuo, lo levanta de las penurias, cuando aparecen en el diario vivir.
El caminar solo, es una forma de soberbia, de ignorar valores, en lugar de avanzar quedarse ante "un muro ciego" La metáfora unida a la personificación ilustran la conducta.
La soledad elegida es un muro, un obstáculo por su altura, su solidez, para el crecimiento del ser humano. "Ciego" porque no deja pasar la luz y también porque impide la visión en su totalidad de la experiencia vital. Así el hombre queda inerme, desprotegido y surge el dolor. La antítesis entre las dos posiciones se materializa en el contraste entre "alegría" y llanto".También el fluir de un verso en otro se percibe por el encabalgamiento triple
Te sentirás acorralada// te sentirás perdida o sola// tal vez querrás no haber nacido"
El tercer terceto es la proyección al posible futuro de su hija. Se detiene en el más negativo, doloroso, oscuro, porque sabe que si ella es feliz no necesitará sus palabras. Usa la anáfora, repetición de uno o más términos al comienzo de versos consecutivos " Te sentirás" la reiteración siempre marca un ritmo y realza el significado. Le interesa detenerse en los sentimientos, en el interior, abismarse en la persona que será su hija.Trabaja la imagen "acorralada" El corral es el límite que se pone a los animales en cautiverio. Significa la pérdida de libertad, de decisión. En el caso del ser humano ese sentimiento nace cuando la vida, empuja hacia la injusticia, el dolor, la sinrazón.y se pierde el sentido de la existencia. Lo vimos en el Libro de Job: " un hombre que su camino está cercado//a quien Dios por todas partes cerca" Ya no hay camino seguro y viene la segunda opción sentirse perdida, ajena a todo y a todos, incluso a sí misma. La disyuntiva "o sola" marca la gradación descendente. Primero la acorralaran, luego no puede huir, se siente perdida y al final la soledad, física y síquica. Estar sola, sentirse sola. Cuando aparece ese sentimiento se pide como Job la anulación de la concepción y del nacimiento. Lo plantea como una posibilidad "tal vez querrás no haber nacido"
"Yo sé muy bien que te dirán// que la vida no tiene objeto// que es un asunto desgraciado".
Sigue manejando el futuro y la misma situación pero abre el poema a otras palabras que llegarán a ella.Como la mujer de Job vendrán los consejos negativos "maldice a Dios y muérete" Aquí lo que se pone en juicio es la vida y el porqué de la misma.ESTRUCTURA EXTERNA,: se compone de cuarenta y cinco versos en su mayoría eneasílabos,organizados en quince tercetos.No se observa rima regular en ninguna de sus formas, consonancia o asonancia
GÉNERO: lírico, expresión directa de sentimientos y pensamientos, es un mensaje de un yo a un tú El lector queda fuera pero al ser comunicación literaria, asiste como espectador.
No es un poema abierto, es un diálogo poético, un padre le habla a su hija, le da mayor intimidad, como lo estudiamos en el poema de M. Hernández Las nanas de la cebolla.
ESTRUCTURA INTERNA Cada terceto enfoca un tema existencial que refiere al empuje de la vida, sus problemas, sus alegrías y cómo enfrentarlos. Un primer momento refiere a Julia como individuo frente a la vida.Como sostén aparece el leit motiv , marcando la presencia del padre en su responsabilidad de asistir, guiar y amar al hijo. Luego pasamos al segundo momento, el compromiso socio político y Julia se transforma en ejemplo de y para los jóvenes, termina cuando se vuelve al uso del leit motiv, justificación de las palabras . El tercer momento es un retorno al ser de la hija, a su persona.y culmina el poema con el leit motiv,.despedida y presencia permanente de sus palabras en ella.
ANÁLISIS DEL TÍTULO Palabras para Julia Es catafórico, nos adelanta, nos prepara en forma y contenido.
Las palabras son una unidad significativa de la comunicación, del lenguaje oral y escrito.
Aquí las palabras refieren al código del mensaje de un emisor a un receptor pero al tener contenido poético se abre el abanico de conceptos y valor estético.
Cierra el canal de recepción al especificar "para Julia".
Pero la profundidad y la belleza del poema hacen, como ya se expresó, que cada padre encuentre su voz en la del poeta y Julia sea como aparece en la estrofa séptima símbolo de "otros..."
ANÁLISIS
"Tú no puedes volver atrás// porque la vida ya te empuja// como un aullido interminable"
Comienza con el pronombre personal, segunda persona del singular, innecesario en lengua española, pues se deduce por el verbo conjugado. pero imprescindible para marcar el tono de diálogo en la poesía. La negación parte del yo lírico y lo abarca a él y al "tú".
Sentir el fluir del tiempo en el hijo, implica su crecimiento y la separación del mundo protector creado por los padres. El yo lírico no quiere que crezca pero sabe la imposibilidad de esa lucha. Acepta y quiere que Julia también lo haga.
El fluir del río de J Manrique " Nuestra vidas son los ríos// que que van a dar a la mar " O de A. Yupanqui " tú que puedes vuélvete// me dijo el río llorando...".
No se puede volver atrás, la vida se anda, no se desanda.
El ritmo es mucho más vertiginoso que en los poetas anteriores, " empuja" "aullido interminable".
Tiempo y vida marchan paralelos, de ahí la fuerza de la personificación y el adverbio de tiempo "ya". El empuje impide detenerse en las etapas, la vida como una persona, nos lleva a su paso.
"..ya..." da la inmediatez del proceso.
El poeta usa la comparación para ilustrar el concepto. El empuje de la vida es "como un aullido interminable" Aullido nos sitúa en el instinto, en lo irracional, no se puede explicar.
Es la vida en su plena manifestación , siempre potente, siempre presente, inagotable e infinita. Los seres vivos perecen pero el devenir de ella, hace que sea interminable y constante.El poeta logra esa prolongación con el uso del encabalgamiento triple
"Hija mía es mejor vivir//con la alegría de los hombres// que llorar ante un muro ciego."
La segunda estrofa vuelve más íntimo el diálogo, el tú se transforma en "hija mía" La relación con el yo lírico ya está expuesta y el sentimiento, resaltado por el posesivo que sucede al sustantivo.
No indica pertenencia sino el grado de cercanía que los vincula.
.Si la vida empuja hay que vivir cada momento en toda su intensidad.
¿ Cómo? El yo lírico, el padre, le plantea dos caminos, uno, unida a los demás seres empujados como ella por el "aullido" vital, o el otro, aislándose del resto de los hombres.
En el primero puede encontrar la alegría que da la solidaridad, la comunicación, la experiencia, Somos seres sociales, el grupo ampara al individuo, lo levanta de las penurias, cuando aparecen en el diario vivir.
El caminar solo, es una forma de soberbia, de ignorar valores, en lugar de avanzar quedarse ante "un muro ciego" La metáfora unida a la personificación ilustran la conducta.
La soledad elegida es un muro, un obstáculo por su altura, su solidez, para el crecimiento del ser humano. "Ciego" porque no deja pasar la luz y también porque impide la visión en su totalidad de la experiencia vital. Así el hombre queda inerme, desprotegido y surge el dolor. La antítesis entre las dos posiciones se materializa en el contraste entre "alegría" y llanto".También el fluir de un verso en otro se percibe por el encabalgamiento triple
Te sentirás acorralada// te sentirás perdida o sola// tal vez querrás no haber nacido"
El tercer terceto es la proyección al posible futuro de su hija. Se detiene en el más negativo, doloroso, oscuro, porque sabe que si ella es feliz no necesitará sus palabras. Usa la anáfora, repetición de uno o más términos al comienzo de versos consecutivos " Te sentirás" la reiteración siempre marca un ritmo y realza el significado. Le interesa detenerse en los sentimientos, en el interior, abismarse en la persona que será su hija.Trabaja la imagen "acorralada" El corral es el límite que se pone a los animales en cautiverio. Significa la pérdida de libertad, de decisión. En el caso del ser humano ese sentimiento nace cuando la vida, empuja hacia la injusticia, el dolor, la sinrazón.y se pierde el sentido de la existencia. Lo vimos en el Libro de Job: " un hombre que su camino está cercado//a quien Dios por todas partes cerca" Ya no hay camino seguro y viene la segunda opción sentirse perdida, ajena a todo y a todos, incluso a sí misma. La disyuntiva "o sola" marca la gradación descendente. Primero la acorralaran, luego no puede huir, se siente perdida y al final la soledad, física y síquica. Estar sola, sentirse sola. Cuando aparece ese sentimiento se pide como Job la anulación de la concepción y del nacimiento. Lo plantea como una posibilidad "tal vez querrás no haber nacido"
"Yo sé muy bien que te dirán// que la vida no tiene objeto// que es un asunto desgraciado".
El pronombre personal nuevamente inicia el terceto para resaltar la experiencia del padre, única cosa que puede aportar para ayudar a su hija. Estas son sus palabras pero las otras van a contradecirlas Lo sabe y afirma el conocimiento con "muy bien" para eliminar toda duda.. Ese mensaje nihilista desmerece el valor de la vida tal como es, como se nos presenta, compleja, con dolores y alegrías, con muertes y nacimientos. El negar el sentido a la vida se da en forma imprecisa: "no tiene objeto" " es un asunto desgraciado"
Esta postura aparece mucho en la lírica, recordemos P Neruda "Sucede que me canso de ser hombre..." o R Darío "Ya tendrás la vida para que te envenenes" Es una postura frente a la existencia y como tal debe ser respetada; pero no es la que el yo lírico quiere para su hija. La aleja de ella usando sus palabras
" Entonces siempre acuérdate//de lo que un día yo escribí// pensando en ti como ahora pienso"
Llegamos al leit motiv, que le da ritmo y vuelve al tema del poema, las palabras para su hija.
El adverbio de tiempo, "entonces" la ubica en el momento de la duda, donde sea necesario su consejo. El siguiente perpetua este mensaje, "siempre" debe recordar sus palabras. Estas " que un día yo escribí" Se va al pasado, en un juego temporal, logrado con los adverbios, se hace permanente el mensaje.
Indetermina con "un día", la creación del mismo, plantea su presencia con el pronombre personal "yo" y su poema con "escribí". El último verso de la estrofa establece el vínculo con la hija a través del pensamiento. Usa el gerundio, forma fija del verbo, que indica la acción realizándose en el momento" pensando" y luego el presente "pienso" reforzado por otro adverbio de tiempo "ahora". Él siempre piensa en ella y ella debe recordar sus palabras para ayudarse en los momentos de duda.Para sentir su presencia y apoyo aunque no esté a su lado.
martes, 8 de abril de 2014
El dolor del destierro. Cantar del Mio Cid
Cantar I El Destierro
La entraña de la literatura es la comunicación artística por medio del lenguaje, llegar la esencia estética por las palabras.
Cuando nos acercamos a la primer obra literaria conservada del castellano, Cantar del MioCid siglo XII, (1140), iniciamos un viaje de nueve siglos, hacia otra época, con otra estructura social, económica, cultural. La pregunta es ¿lograremos llegar? Desde este siglo XXI globalizado, consumista, inestable, dominador de naturaleza y persona, ¿podrá conmovernos la gesta de un héroe medieval?
Es el desafío
La primera parte del manuscrito de Per Abad, conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid, comienza así:
Castellano romance Castellano- español actual
"De los sos ojos- tan fuertemientre llorando,//con sus ojos tan fuertemente llorando,
tornava la cabeça- i estavalos catando.// tornaba la cabeza- y estaba mirándolos.
Vio puertas abiertas- e uços sin cañados// Vio pertas abiertas- y postigos sin candados
alcádaras vázias- sin pielles e sin mantos// perchas vacías sin piles y sin mantos
e sin falcones- e sin adtores mudados.// y sin halcones - y sin azores mudados.
Sospiró mio Çid- ca mucho avié grandes cuidados:// suspiró mío Çid- que tenía grandes cuidados.
fabló mío Çid- bien y tan mesirado;// Habló mío Cid-bien y tan mesurado:
*grado a ti, señor padre- que estás en lo alto! // Gracias a ti señor padre// que estás en lo alto
*Esto me an buolto- mìos enemigos malos.// Esto me han urdido- mis enemigos malos"
El manuscrito de Per Abad, 1307, es una copia posterior a la creación del poema.
Sabemos que faltan versos, se han perdido y el manuscrito comienza sin ellos. Los editores los suplen con el relato de la explicación del porqué la medida del rey Alfonso de desterrar al héroe. Lo narra la crónica junto a la dureza del castigo y el plazo, exiguo por completo para cumplirlo, en nueve días debe dejar el reino.El Cid debe alojar su familia, desmantelar su castillo y prepararse para lo incierto en solo nueve días.
Juicios de la crítica:
" Empieza el poema donde mejor podía empezar, sicológica y poéticamente. Por el momento de la desgarradura del hombre y su tierra. Por el momento en que Ruy Díaz se arranca de su casa solar, de Vivar.Es el poema del destierro y la pena del desterrado, en eso consiste, en romper los vínculos, de los que apenas se tiene conciencia en el bienestar, con lo nuestro, con nuestra tierra, entendida en el modo más ancho. Tierra, y en ella la casa, y en la casa muebles y trebejos usuales, y entre ellos, yendo y viniendo la mujer y los hijos y los criados, la gente nuestra, lo nuestro. Desterrarse es arrancarse de lo nuestro, es decir dejar de ser nosotros...." Pedro Salinas Ensayos de literatura hispánica.
"El poema empieza con la desolación de la marcha.Vivar es el núcleo de cristalización humana del destierro. En medio de las cosas abandonadas, surge la actitud humana y literaria del desterrado. La escena que se entrega a los oídos está captada por los ojos...." Joaquín Casalduero Estudios de Literatura Española.
El cantar del Mío Cid es un cantar de gesta, pertenece por lo tanto al género narrativo y dentro de este a la épica, se narran acciones de héroes.
Se divide en tres partes o cantares : El del Destierro, el de las Bodas de las hijas del Cid, el de la afrenta de Corpes.
Los cantares a su vez, se dividen en tiradas de versos asonantados con métrica irregular, de diez sílabas. decasílabos, hasta veinte, pero predominan los alejandrinos, catorce sílabas.. En la mitad del verso se hace una pausa o cesura.
El comienzo, no del poema sino del Códice, narra el momento mismo del alejamiento de Vivar. El juglar concentra su atención en describir la acción y reacción de su personaje. Acción, alejamiento de lo que fue hasta hoy su mundo. Reacción, querer retener la última imagen en su alma, sufrir y manifestar ese sufrimiento con lágrimas. No debemos olvidar lo que resalta, respecto al juglar, Dámaso Alonso Ensayos sobre poesía española " Es testigo de la escena el que habla.....".
No olvidemos que recita para un auditorio. El hecho de contarlo como vivido acerca el poema y le da más emotividad que trasmite a sus oyentes. Dámaso Alonso, obra citadalo explica: "En el libre juego de las oraciones desligadas, la intención expresiva es solo un resultado de entonación y del conocimiento del ambiente afectivo. Es decir, sobre los elementos lógicos triunfan los afectivos."
Remitimos a lo expresado por Pedro Salinas , sus palabras son por demás elocuentes para ver que la esencia humana de la experiencia vivida, (salvo la resignación cristiana, que mucho pueden no compartir), se da tanto en el siglo XII como en el XVIII como en el XXI. Recordemos la temática de Mario Benedetti a propósito de su, o mejor dicho, sus exilios, revividos en varios personajes de sus obras Ejemplo Primavera con una esquina rota.
" De los sus ojos- tan fuerteminetre llorando" Aparece primero el sentimiento, el desgarro del hombre de su tierra (Salinas), la desolación de la marcha (Casalduero) El juglar se concentra en los ojos del héroe, va siguiendo su mirada en ida y retorno, va hacia lo que había sido su mundo y vuelve a su corazón. Luego de la cesura el sentimiento. El adverbio "fuertemente" y el gerundio "llorando" nos presentan al héroe. No lo vemos en la cima de su gloria, donde las cosas son fáciles, sino frente al infortunio.Al dolor del destierro se suma la injusticia del castigo, nos recuerda a Job, ambos sufren, ambos aceptan lo que les sucede, a pesar de no ser merecedores de ello.
La fuerza del llanto es la del héroe.Sus lágrimas llegan a nosotros para conmovernos.
La entraña de la literatura es la comunicación artística por medio del lenguaje, llegar la esencia estética por las palabras.
Cuando nos acercamos a la primer obra literaria conservada del castellano, Cantar del MioCid siglo XII, (1140), iniciamos un viaje de nueve siglos, hacia otra época, con otra estructura social, económica, cultural. La pregunta es ¿lograremos llegar? Desde este siglo XXI globalizado, consumista, inestable, dominador de naturaleza y persona, ¿podrá conmovernos la gesta de un héroe medieval?
Es el desafío
La primera parte del manuscrito de Per Abad, conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid, comienza así:
Castellano romance Castellano- español actual
"De los sos ojos- tan fuertemientre llorando,//con sus ojos tan fuertemente llorando,
tornava la cabeça- i estavalos catando.// tornaba la cabeza- y estaba mirándolos.
Vio puertas abiertas- e uços sin cañados// Vio pertas abiertas- y postigos sin candados
alcádaras vázias- sin pielles e sin mantos// perchas vacías sin piles y sin mantos
e sin falcones- e sin adtores mudados.// y sin halcones - y sin azores mudados.
Sospiró mio Çid- ca mucho avié grandes cuidados:// suspiró mío Çid- que tenía grandes cuidados.
fabló mío Çid- bien y tan mesirado;// Habló mío Cid-bien y tan mesurado:
*grado a ti, señor padre- que estás en lo alto! // Gracias a ti señor padre// que estás en lo alto
*Esto me an buolto- mìos enemigos malos.// Esto me han urdido- mis enemigos malos"
El manuscrito de Per Abad, 1307, es una copia posterior a la creación del poema.
Sabemos que faltan versos, se han perdido y el manuscrito comienza sin ellos. Los editores los suplen con el relato de la explicación del porqué la medida del rey Alfonso de desterrar al héroe. Lo narra la crónica junto a la dureza del castigo y el plazo, exiguo por completo para cumplirlo, en nueve días debe dejar el reino.El Cid debe alojar su familia, desmantelar su castillo y prepararse para lo incierto en solo nueve días.
Juicios de la crítica:
" Empieza el poema donde mejor podía empezar, sicológica y poéticamente. Por el momento de la desgarradura del hombre y su tierra. Por el momento en que Ruy Díaz se arranca de su casa solar, de Vivar.Es el poema del destierro y la pena del desterrado, en eso consiste, en romper los vínculos, de los que apenas se tiene conciencia en el bienestar, con lo nuestro, con nuestra tierra, entendida en el modo más ancho. Tierra, y en ella la casa, y en la casa muebles y trebejos usuales, y entre ellos, yendo y viniendo la mujer y los hijos y los criados, la gente nuestra, lo nuestro. Desterrarse es arrancarse de lo nuestro, es decir dejar de ser nosotros...." Pedro Salinas Ensayos de literatura hispánica.
"El poema empieza con la desolación de la marcha.Vivar es el núcleo de cristalización humana del destierro. En medio de las cosas abandonadas, surge la actitud humana y literaria del desterrado. La escena que se entrega a los oídos está captada por los ojos...." Joaquín Casalduero Estudios de Literatura Española.
El cantar del Mío Cid es un cantar de gesta, pertenece por lo tanto al género narrativo y dentro de este a la épica, se narran acciones de héroes.
Se divide en tres partes o cantares : El del Destierro, el de las Bodas de las hijas del Cid, el de la afrenta de Corpes.
Los cantares a su vez, se dividen en tiradas de versos asonantados con métrica irregular, de diez sílabas. decasílabos, hasta veinte, pero predominan los alejandrinos, catorce sílabas.. En la mitad del verso se hace una pausa o cesura.
El comienzo, no del poema sino del Códice, narra el momento mismo del alejamiento de Vivar. El juglar concentra su atención en describir la acción y reacción de su personaje. Acción, alejamiento de lo que fue hasta hoy su mundo. Reacción, querer retener la última imagen en su alma, sufrir y manifestar ese sufrimiento con lágrimas. No debemos olvidar lo que resalta, respecto al juglar, Dámaso Alonso Ensayos sobre poesía española " Es testigo de la escena el que habla.....".
No olvidemos que recita para un auditorio. El hecho de contarlo como vivido acerca el poema y le da más emotividad que trasmite a sus oyentes. Dámaso Alonso, obra citadalo explica: "En el libre juego de las oraciones desligadas, la intención expresiva es solo un resultado de entonación y del conocimiento del ambiente afectivo. Es decir, sobre los elementos lógicos triunfan los afectivos."
Remitimos a lo expresado por Pedro Salinas , sus palabras son por demás elocuentes para ver que la esencia humana de la experiencia vivida, (salvo la resignación cristiana, que mucho pueden no compartir), se da tanto en el siglo XII como en el XVIII como en el XXI. Recordemos la temática de Mario Benedetti a propósito de su, o mejor dicho, sus exilios, revividos en varios personajes de sus obras Ejemplo Primavera con una esquina rota.
" De los sus ojos- tan fuerteminetre llorando" Aparece primero el sentimiento, el desgarro del hombre de su tierra (Salinas), la desolación de la marcha (Casalduero) El juglar se concentra en los ojos del héroe, va siguiendo su mirada en ida y retorno, va hacia lo que había sido su mundo y vuelve a su corazón. Luego de la cesura el sentimiento. El adverbio "fuertemente" y el gerundio "llorando" nos presentan al héroe. No lo vemos en la cima de su gloria, donde las cosas son fáciles, sino frente al infortunio.Al dolor del destierro se suma la injusticia del castigo, nos recuerda a Job, ambos sufren, ambos aceptan lo que les sucede, a pesar de no ser merecedores de ello.
La fuerza del llanto es la del héroe.Sus lágrimas llegan a nosotros para conmovernos.
miércoles, 11 de diciembre de 2013
Canción de cuna."Bodas de Sangre" Acto I cuadro II Federico García Lorca
Suegra
Nana,niño,nana
del caballo grande
que no quiso el agua.
El agua era negra
dentro de las ramas.
Cuando llega al puente
se detiene y calla.
¿Quién dirá, mi niño,
lo que tiene al agua
con su larga cola
por su verde sala?
Mujer (bajo)
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Las patas heridas,
las crines heladas,
dentro de los ojos
un puñal de plata.
Bajaban al río.
¡ay cómo bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua.
Mujer
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Mujer
No quiso tocar
la orilla mojada,
su belfo caliente
con moscas de plata.
A los montes duros
solo relinchaba
con el río muerto
sobre la garganta.
¡Ay caballo grande
que no quiso el agua!
¡Ay dolor de nieve,
caballo del alba!
Suegra
¡no vengas! Detente,
cierra la ventana
con rama de sueños
y sueño de ramas.
Mujer
Mi niño se duerme.
Suegra
Mi niño se calla.
" La fábula dramática y lírica del caballo herido que no quiere beber y se pone a llorar, tierna canción de cuna y augurio de drama, da el tono del cuadro II. Está basado en los romances....El canto anuncia viudez y orfandad para la madre despreciada y para el niño insomne---" García Lorca Persona y creación Alfredo de la Guardia
La canción de cuna aparece dentro de una obra dramática: Bodas de Sangre en el cuadro II. Tiene un doble significado como dice A. de la Guardia, por un lado adormecer al niño, por otro anticipar la tragedia. Como la que estudiamos del poema Tabaré, de J Zorrilla de San Martín, puede analizarse en forma autónoma aunque su entronque con el drama es más fuerte que el ejemplo anterior.
Tiene otra peculiaridad es a dos voces, la de la abuela y la de la madre. Estas dos voces marcando estrofas y estribillos aumentan el efecto musical, son dos acordes en una misma melodía.
La "nana" abre y cierra el cuadro, entre un momento y el otro, ha transcurrido la acción dramática.
Son cuatro estrofas que se cierran con un estribillo. El penúltimo verso es de la madre y el último de la suegra, que la inició.Los versos son hexasílabos y decasílabos.
Comienza la suegra de Leonardo (uno de los protagonistas del drama) que aparece con el niño en brazos.
Era costumbre en los pueblos de campo, que la abuela criara uno de los niños de la pareja. Se vio en el cuadro I cuando el novio, anticipa a su madre, hablando de sus futuros hijos: "El primero para usted"
Eso justifica el comiezo casi pasivo de la madre en la nana, cuyo primera intervención es en voz baja.
"Nana, niño,nana// del caballo grande //que no quiso el agua" Los tres primeros versos están encabalgados se deben leer o cantar sin hacer la pausa final. Plantean el tema de la canción de cuna. Estas siempre están impregnadas de fantasía donde la irrealidad se acompasa a la visión del mundo del niño, diferente a la del adulto.No hay límite entre lo real y lo fantástico.
García Lorca lo sabe y lo trabaja.
El primer verso se abre y finaliza con la misma palabra, "nana" epanodiplosis. define el motivo del canto. También usa la aliteración (repetición de una letra) en este caso la "n" que va perfilando el sonido adormecedor.
El tema es el caballo grande que no quiso el agua. Pasamos al plano de lo irreal, normalmente el caballo llega al río a beber. Este no lo hace.
Simbólicamente es Leonardo que no bebe del amor de su esposa y cansa su caballo rumbo al secano, donde está su pasión prohibida.
La canción ahora describe el agua negra. El color negro adelanta algo negativo, es la ausencia de luz y por consiguiente de color. Aparece dentro de las ramas, genera un sentimiento de algo entreverado, de algo que obstaculiza el curso, de trampa.
"Cuando llega al puente" Ya instalado el negro y las ramas, la canción sigue el fluir y ya está dentro de un entorno más natural, "... se detiene y canta." Es evidente como el poeta cambia el rumbo sugerido y avanza por la fantasía , detiene el curso de agua e instala una canción,dentro de otra, sin la connotación de tragedia que fue anunciada. La personificación se diluye porque dentro del mundo infantil las categorías no son lógicas y el agua puede detener su caminar y cantar.
Finaliza la estrofa, con una interrogación que abarca cuatro versos encabalgados: " Quién dirá..." toda la atención está ahora en la segunda canción.Es una pregunta retórica ya que no tiene receptor conocido, ni espera respuesta. Solo incentiva la curiosidad. Es el mundo mágico donde todo puede suceder. Recordemos el Romance del infante Arnaldos y su final abrupto: "-Yo no digo mi canción// sino a quien conmigo va"
El posesivo, "mi niño" refleja una expresión común en el habla y literatura española.
Se genera otro misterio: "lo que tiene el agua// con su larga cola// por su verde sala?"Las imágenes del agua como una dama "con traje de cola" y la vegetación, como el lugar en que esta recibe, " verde sala", ventilan la nana en frescura y resonancias.
Pasa García Lorca ahora al estribillo. Este lo canta la madre, presentada como la mujer.
"Duérmete, clavel,// que el caballo no quiere beber"
La esposa que sufre el desamor, es la encargada de volver al caballo y por lo tanto a clima trágico. Al respecto explica el crítico ya citado: "... se enlazan los temas de la luna ,el jinete y la muerte, imágenes esenciales en la poesía de Lorca"
Se trasforman en símbolos por su constante alusión en toda su obra.
El pedido al sueño es típico de las canciones de cuna. La madre pide el sueño al niño, a quien nombra a través del clavel, por su belleza, inocencia y alejamiento del presentimiento funesto.
Pese a la canción del agua, a su larga cola, a su sala verde, el caballo no quiere beber.
Bajo esta premonición pasamos a la estrofa siguiente, a cargo del a suegra, que se centra en el caballo.
Nana,niño,nana
del caballo grande
que no quiso el agua.
El agua era negra
dentro de las ramas.
Cuando llega al puente
se detiene y calla.
¿Quién dirá, mi niño,
lo que tiene al agua
con su larga cola
por su verde sala?
Mujer (bajo)
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Las patas heridas,
las crines heladas,
dentro de los ojos
un puñal de plata.
Bajaban al río.
¡ay cómo bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua.
Mujer
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Mujer
No quiso tocar
la orilla mojada,
su belfo caliente
con moscas de plata.
A los montes duros
solo relinchaba
con el río muerto
sobre la garganta.
¡Ay caballo grande
que no quiso el agua!
¡Ay dolor de nieve,
caballo del alba!
Suegra
¡no vengas! Detente,
cierra la ventana
con rama de sueños
y sueño de ramas.
Mujer
Mi niño se duerme.
Suegra
Mi niño se calla.
" La fábula dramática y lírica del caballo herido que no quiere beber y se pone a llorar, tierna canción de cuna y augurio de drama, da el tono del cuadro II. Está basado en los romances....El canto anuncia viudez y orfandad para la madre despreciada y para el niño insomne---" García Lorca Persona y creación Alfredo de la Guardia
La canción de cuna aparece dentro de una obra dramática: Bodas de Sangre en el cuadro II. Tiene un doble significado como dice A. de la Guardia, por un lado adormecer al niño, por otro anticipar la tragedia. Como la que estudiamos del poema Tabaré, de J Zorrilla de San Martín, puede analizarse en forma autónoma aunque su entronque con el drama es más fuerte que el ejemplo anterior.
Tiene otra peculiaridad es a dos voces, la de la abuela y la de la madre. Estas dos voces marcando estrofas y estribillos aumentan el efecto musical, son dos acordes en una misma melodía.
La "nana" abre y cierra el cuadro, entre un momento y el otro, ha transcurrido la acción dramática.
Son cuatro estrofas que se cierran con un estribillo. El penúltimo verso es de la madre y el último de la suegra, que la inició.Los versos son hexasílabos y decasílabos.
Comienza la suegra de Leonardo (uno de los protagonistas del drama) que aparece con el niño en brazos.
Era costumbre en los pueblos de campo, que la abuela criara uno de los niños de la pareja. Se vio en el cuadro I cuando el novio, anticipa a su madre, hablando de sus futuros hijos: "El primero para usted"
Eso justifica el comiezo casi pasivo de la madre en la nana, cuyo primera intervención es en voz baja.
"Nana, niño,nana// del caballo grande //que no quiso el agua" Los tres primeros versos están encabalgados se deben leer o cantar sin hacer la pausa final. Plantean el tema de la canción de cuna. Estas siempre están impregnadas de fantasía donde la irrealidad se acompasa a la visión del mundo del niño, diferente a la del adulto.No hay límite entre lo real y lo fantástico.
García Lorca lo sabe y lo trabaja.
El primer verso se abre y finaliza con la misma palabra, "nana" epanodiplosis. define el motivo del canto. También usa la aliteración (repetición de una letra) en este caso la "n" que va perfilando el sonido adormecedor.
El tema es el caballo grande que no quiso el agua. Pasamos al plano de lo irreal, normalmente el caballo llega al río a beber. Este no lo hace.
Simbólicamente es Leonardo que no bebe del amor de su esposa y cansa su caballo rumbo al secano, donde está su pasión prohibida.
La canción ahora describe el agua negra. El color negro adelanta algo negativo, es la ausencia de luz y por consiguiente de color. Aparece dentro de las ramas, genera un sentimiento de algo entreverado, de algo que obstaculiza el curso, de trampa.
"Cuando llega al puente" Ya instalado el negro y las ramas, la canción sigue el fluir y ya está dentro de un entorno más natural, "... se detiene y canta." Es evidente como el poeta cambia el rumbo sugerido y avanza por la fantasía , detiene el curso de agua e instala una canción,dentro de otra, sin la connotación de tragedia que fue anunciada. La personificación se diluye porque dentro del mundo infantil las categorías no son lógicas y el agua puede detener su caminar y cantar.
Finaliza la estrofa, con una interrogación que abarca cuatro versos encabalgados: " Quién dirá..." toda la atención está ahora en la segunda canción.Es una pregunta retórica ya que no tiene receptor conocido, ni espera respuesta. Solo incentiva la curiosidad. Es el mundo mágico donde todo puede suceder. Recordemos el Romance del infante Arnaldos y su final abrupto: "-Yo no digo mi canción// sino a quien conmigo va"
El posesivo, "mi niño" refleja una expresión común en el habla y literatura española.
Se genera otro misterio: "lo que tiene el agua// con su larga cola// por su verde sala?"Las imágenes del agua como una dama "con traje de cola" y la vegetación, como el lugar en que esta recibe, " verde sala", ventilan la nana en frescura y resonancias.
Pasa García Lorca ahora al estribillo. Este lo canta la madre, presentada como la mujer.
"Duérmete, clavel,// que el caballo no quiere beber"
La esposa que sufre el desamor, es la encargada de volver al caballo y por lo tanto a clima trágico. Al respecto explica el crítico ya citado: "... se enlazan los temas de la luna ,el jinete y la muerte, imágenes esenciales en la poesía de Lorca"
Se trasforman en símbolos por su constante alusión en toda su obra.
El pedido al sueño es típico de las canciones de cuna. La madre pide el sueño al niño, a quien nombra a través del clavel, por su belleza, inocencia y alejamiento del presentimiento funesto.
Pese a la canción del agua, a su larga cola, a su sala verde, el caballo no quiere beber.
Bajo esta premonición pasamos a la estrofa siguiente, a cargo del a suegra, que se centra en el caballo.
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