CANCIÓN DE JINETE " CANCIONES" FEDERICO GARCÍA LORCA

ANÁLISIS LITERARIO

                                                                                                                       

Canción del jinete

Córdoba.
Lejana y sola.

Jaca negra, luna grande,
y aceitunas en mi alforja.
Aunque sepa los caminos
yo nunca llegaré a Córdoba.

Por el llano, por el viento,
jaca negra, luna roja.
La muerte me está esperando
desde las torres de Córdoba.

¡Ay qué camino tan largo!
¡Ay mi jaca valerosa!
¡Ay que la muerte me espera,
antes de llegar a Córdoba!

Córdoba.
Lejana y sola.


Antes de iniciar el análisis del poema es necesario acercarnos a la concepción estética de Federico García Lorca.
En la antología de Gerardo Diego expresa: " Si es verdad que soy poeta por la gracia de Dios- o del demonio-; también lo es que lo soy por la gracia de la técnica y del esfuerzo, y de darme cuenta en absoluto de lo que es un poema"
 "La inspiración,-expresó en otra circunstancia,- da la imagen pero no el vestido. y para el vestido hay que observar (...) la cualidad y sonoridad de la palabra."
En su conferencia Teoría y juego del duende "Así pues el duende es un poder y no un obrar, es un luchar y no un pensar"..."El duende de que hablo, oscuro y estremecido, es descendiente de aquel alegrísimo demonio de Sócrates..."
"El ángel deslumbra, pero vuela sobre la cabeza del hombre, está por encima, derrama su gracia, y el hombre, sin ningún esfuerzo, realiza su obra o su simpatía, o su danza... Ángel y musa vienen de fuera; el ángel da luces y la musa da formas... En cambio al duende hay que despertarlo en las últimas habitaciones de la sangre...La verdadera lucha es con el duende...Con idea, con sonido o con gestos, el duende gusta de los bordes del pozo en franca lucha con el creador."
" Lorca es en efecto, dueño  de una poética muy precisa  y coherente además de abundante" Expresa Miguel García Posada Poesía de la generación de 27 Federico García Lorca, Rafael Alberti.

Analizar un poema de Federico García Lorca es enfrentar la absoluta conciencia de la Poesía y  saber que mucho quedará por hacer.
Dentro de la poesía lorquiana hay dos poemas con igual título y tema. A los dos los ubica en Canciones, con el subtítulo de Andaluzas separados solo por cuatro poemas.
Es un desafío que muestra la genialidad del autor.Usa los mismos símbolos, la única diferencia es la concreción de la muerte, en la primera, dentro del orden del poemario, el jinete ya ha muerto,en la segunda muestra la certeza de su llegada
. La musicalidad de la primera emana un ritmo más rápido, no hay angustia domina la realidad de la muerte que dada su condición aparece enmarcada en el paisaje andaluz. como lo expresa el autor en el subtítulo. Hay vivencias que solo se sienten en Andalucía, pero la de Federico, sometida al proceso de trasformación de su mirada. No es lo mismo color local que vivencia, la diferencia se agranda si se trata de un poeta de la talla del que hablamos.
La segunda, tema de nuestro análisis, se comprime en ritmo y alusiones, lo necesario para enfrentar la muerte. Da entrada al yo lírico que exprese directamente el sentimiento.

CANCIÓN DEL JINETE

En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?

...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.

Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!

En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?

La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.

Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!

En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?

En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?

...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.

Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!

En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?

La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.

Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!

En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.

Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?    

Los poemas comparten su ubicación en Canciones. Ya expresamos la importancia que tiene la forma en la poesía lorquiana. Es la música de las palabras y en García Lorca poeta, juglar y músico se completan las tres en arte.
Alfredo De La Guardia,  García Lorca Persona y creación" En estas dos Canciones de jinete, la claridad lunar se deshace sobre el caballo y el caballero. Una aureola de luz misteriosa, un rayo espectral, los envuelve, pues aquí es donde, por primera vez, se enlazan los temas de la luna, el jinete y la muerte, imágenes esenciales en la poesía de Lorca.

Estudiaremos ahora con mayor profundidad los símbolos, aludidos ya en el análisis de la Canción de cuna de Bodas de Sangre.
La luna
Dice Cirlot  en Diccionario de los símbolos respecto a la luna: ..."Estas fases, por analogía, se parecen  a las estaciones anuales, a las edades del hombre, y determinan una mayor proximidad de la luna a lo biológico, sometido también a la ley del cambio, al crecimiento ( juventud, madurez) y al decrecimiento( madurez, ancianidad) De ahí la creencia mítica de que la etapa de invisibilidad de la luna corresponde a la de la muerte en el hombre"
Miguel Garcia  Posada : "  Se configura así un sistema simbólico a la vez polivalente y preciso, cuyos elementos centrales son la luna, el agua, la sangre, el caballo, las hierbas, los metales, que remite sin lugar a dudas a aquella " tremenda lógica poética" de la que hablaba el autor"
Alfredo De La Guardia : "El tema lunar  aparecerá en la lírica de García Lorca lo mismo que una frase predilecta en una sinfonía y adquirirá su máximo desenvolvimiento cuando llega la luna a la fragua gitana. (Romancero gitano, romance de la luna, luna) 
Bodas de sangre  dará después todo su contenido dramático."
Caballo- jinete
Cirlot: "su simbolismo es muy complejo, y, hasta cierto punto, no bien determinado. Para Eliade es un animal ctónico-funerario ..."
P Salinas Ensayos de literatura hispánica   García Lorca y la cultura de la muerte: "La famosa imagen del jinete, del caballista tan natural a la campiña andaluza, cargada va de significación mortal. El jinete nunca llegará a su término de viaje, porque desde las torres de Córdoba le avizora la muerte"
Alfredo De La Guardia:"...otra imagen fundamental, en la lírica lorquiana: la imagen del jinete, cuya raíz debe buscarse en los viejos romances anónimos.En los primeros poemas no galopa este caballista mas sí un jinete místico Santiago "peregrino celeste"... En Canciones  es donde viene ya en jaca andaluza, con el contorno de un contrabandista o de un bandido generoso."
Muerte no es símbolo es presencia, tema constante en la creación lorquiana.

                            ANÁLISIS LITERARIO

Título Es catafórico, dentro de la simbología lorquiana, adelanta la presencia de la muerte. No es un canto funerario es una reflexión existencial del dualismo eterno: vida- muerte, una crea a la otra.
"Canción", por ser una sublimación estética de una realidad humana.... "de jinete", sin artículo, porque no singulariza, es el hombre cabalgando hacia su muerte, como en la otra era el hombre muerto sobre el caballo.
Estructura externa  Es circular comienza y termina con el mismo par de versos El poema  se ordena en doce versos : principio y final: dos versos, centro: tres estrofas de cuatro versos octosílabos. 
No hay rima regular, pero sí asonancia en "e" "a" "o" y coincidencia en la palabra del final de las estrofas centrales: "Córdoba".
Estructura interna Parte de una ubicación espacial, Córdoba, pero pronto gana el clima irreal pese al dato concreto.La soledad de la ciudad nos lleva a la presencia de un yo lírico( expresión directa de sentimientos)
La enumeración siguiente nos da el perfil del jinete y la conciencia de otra meta que no era la elegida.
Sigue el camino que lo arrastra y la cercanía de la ciudad la muestra totalmente inaccesible, porque, pese a verse las torres, en ellas la muerte lo mira.Vienen luego, los tres lamentos marcando su llegada.
Y termina la aseveración del poeta. "Córdoba" lo inerte permanece pero ya no hay jinete que quiera llegar.
                                    
" Córdoba// lejana y sola." Pisamos Andalucía, y se presenta al lector-oyente la ciudad de Córdoba. Ya se estudió en la introducción, que el paisaje andaluz, sale del alma del autor, de su mirada, con las resonancias que esto implica. Esta Córdoba no es un espacio reconocible en la geografía. Es la de García Lorca, su infancia, su pueblo, los gitanos, "el cante jondo" y su sentir.
Su presencia es contundente como las dos sílabas métricas que contienen el primer verso,( en versificación española la esdrújula pierde una sílaba) las tres de su nombre y la oración unimembre.
Le adjudica dos adjetivos que van creando el clima del poema, el espacio que va a contener la vida y la muerte.Los instantes donde las paralelas se juntan en ese punto sin retorno: el fin.
La ausencia del verbo concentra el significado. "Lejana· porque aunque esté a la vista del jinete, no ha llegado, tiene que cabalgar hacia ella... "y sola" La personificación le otorga el sentimiento de soledad y la vuelve inaccesible. Si algo caracteriza a una ciudad es la gente que la habita, está sola porque la vida-muerte la alejan indefinidamente del hombre que cabalgaba hacia ella.
"Jaca negra, luna grande,/ y aceitunas en mi alforja" Inicia la segunda estrofa con una enumeración que combina las posesiones del yo lírico y las mezcla con un entorno y un tiempo. Seguimos con elipsis verbal, no hay acción, es el ser del hombre. Qué lo define, dónde y en qué momento está.Cabalga en jaca, raza de caballo típica de Andalucía y su alimento también lo es: aceitunas. Estamos frente a un viajero andaluz, carga alforjas,porque viene de un sitio lo suficientemente lejano como para llevar provisiones pero marcha ya en su tierra. Los adjetivos vuelven a dirigir la mirada a lo irreal; pese a lo cotidiano, que enuncian los sustantivos. El caballo es negro, simboliza la muerte. Estamos en la noche donde una luna grande ilumina el paisaje con mismo significado.Su luz baña al jinete y el presentimiento se instala estremeciendo todo el poema.
No es la muerte que se presenta a don Rodrigo, (Coplas por la muerte de su padre. J Manrique) enmarcada  dentro del esquema teocéntrico, donde "Este mundo es el camino// para el otro que es morada// sin pesar". La  muerte que asegura al maestre el pasaje a la gloria: " en la su villa d' Ocaña// vino la muerte a llamar// a su puerta// diziendo: buen caballero// dexad el mundo engañoso.."
 No, aquí,  fuera de la respuesta religiosa de un más allá de felicidad, tenemos un acá lleno de incertidumbre.
La única certeza del jinete:" Aunque sepa los caminos//yo nunca llegaré a Córdoba", es la muerte. Aparece el primer verbo en el poema, :saber conjugado en primera persona del singular, presente, modo indicativo.Estamos en el momento preciso del aliento, el ahora del yo lírico pero su proyección al futuro inmediato es negativa, no logrará su objetivo: llegar a Córdoba. "Aunque sepa los caminos" a su vista está la ciudad, todas las formas de llegar pero su futuro es otro."... yo nunca llegaré a Córdoba". Los dos últimos versos de la estrofa están encabalgados para pautar con el ritmo, la aceleración del yo lírico, por arribar, desoyendo la verdad de su destino. El pronombre personal se usa también para resaltar los sentimientos del jinete, es innecesario en español porque la persona surge del verbo conjugado.
La estrofa tercera se abre con la idea de ese tránsito rápido por los campos cordobeses: "Por el llano, por el viento" La preposición desliza la carrera por tierra, "llano" y aire, "viento" el impulso va en  aumento con la certeza de la inutilidad del desafío.
El tercer verso del poema se repite casi textualmente en el octavo, cambia solo un adjetivo la luna grande se tiñe de rojo. La repetición genera un ritmo rápido que empieza a jugar con la angustia del jinete cada vez mayor. Este quiere llegar a Córdoba porque piensa vencer a la muerte.Recordemos El romance del enamorado y la muerte: "la muerte me está buscando// junto a ti vida sería" Frente a la presencia del fin se busca evitarlo. El enamorado con el amor y el jinete con la llegada. Pero a su carrera la ilumina una luna roja que muestra la marcha lenta pero erreversible de la muerte.
" La muerte me está mirando// desde las torres de Córdoba"
La niña, en el romance, le tira cordón de seda para que suba a ella y sin quererlo se vuelve el instrumento de la muerte. 
El jinete ve a la muerte justo donde esperaba evitarla, en las torres de Córdoba.Los dos poetas juegan con la altura.La caída del enamorado" la fina seda se rompe" es la visión del jinete de la muerte.La perífrasis verbal junto al pronombre personal. " me está mirando" le da inmediatez al proceso. Pensó ir a la vida pero se equivocó.
Llegamos al clímax del poema, la muerte está aquí y ahora, el jinete lo asume.

Análisis del poema "Los dos príncipes" José Martí

                                                               JOSÉ MARTÍ

                  VERSOS EN LA EDAD DE ORO

                       LOS DOS PRÍNCIPES

Idea de la poetisa  norteamericana Helen Hunt Jackson


El palacio está de luto
y en el trono llora el rey,
y la reina está llorando
donde no la pueden ver:
en pañuelos de holán fino
lloran la reina y el rey:
Los señores del palacio
están llorando también.
Los caballos llevan negro
el penacho y el arnés:
los caballos no han comido,
porque no quieren comer:
el laurel del patio grande
quedó sin hoja esta vez:
todo el mundo fue al entierro
con coronas de laurel:
-¡El hijo del rey se ha muerto!
¡Se le ha muerto el hijo al rey!

II En los álamos del monte tiene su casa el pastor: la pastora está diciendo "¿por qué tiene luz el Sol?" Las ovejas, cabizbajas, vienen todas al portón: ¡una caja larga y honda está forrando el pastor! Entra y sale un perro triste: canta allá dentro una voz. " Pajarito, yo estoy loca, llévame donde él voló" El pastor coge llorando la pala y el azadón: abre en la tierra una fosa: echa en la fosa una flor: -¡Se quedó el pastor sin hijo! Murió el hijo del pastor.                                                                  AUTOR ¿Cómo presentarlo? ¿Qué palabras caben para un hombre, un poeta que por el solo hecho de haber existido, de haber creado, hace a la humanidad más digna? Tomaré sus palabras en una carta que escribe a Federico Henríquez (1895):"Escasos, como los montes, son los hombres, que saben mirar desde ellos, y sienten con entrañas de nación, o de humanidad"  Así fue José Martí,  desde su interior fue al Hombre, el que dignifica la vida; sintió la patria y gran patria: América, desde todos los perfiles, buscando siempre en la pluralidad, la grandeza.   Un hombre que iluminó e ilumina con su ejemplo de vida y con la belleza de su obra. Sí, esos "montes"altos y profundos, fueron escasos en su época y ahora lo son aún más,lamentablemente. Pero, cuánto enseña su legado. Se podrían citar muchos juicios sobre el poeta;con más propiedad que el nuestro.  Hemos elegido el de Gabriela Mistral "La lengua de Martí" La Habana 1934:"La sencillez de Martí viene ya hecha de las honduras del ser; él no la logra desde fuera,..." Este hombre sencillo, profundo, miró por la humanidad toda, por América toda: indígena,negra, criolla. Por su patria, Cuba;dio su vida por sus ideales, y los dejó en su obra para que perduren. La deuda es grande y nuestro desafío es por lo menos intentarlo.                                                                                           POEMA                         El poema fue publicado en el cuaderno segundo de la Revista La Edad de oro "publicación mensual de recreo e instrucción dedicada a los niños de América" se editó en New York en 1889. Expresa, Salvador Bueno, en su prólogo de la obra Martí por Martí :"Escribió estas páginas con prosa sencilla y pura, permitiendo que la capacidad imaginativa de los niños pudiera expansionarse. La intención docente queda subordinada siempre a una expresión amena..." Los receptores de estos poemas, de estos artículos, son niños a los que hay que formar, para el mañana. Se justifica la metáfora "edad de oro", tópico literario,  (reincidencia temática y significativa a lo largo de la historia de la literatura), por la proyección a la infancia como etapa feliz. Basta recordar a  Rubén Darío: "Juventud divino tesoro" Pero aquí adquiere otro significado, el  valor de estas futuras generaciones. La verdadera formación de la persona se da en los primeros años de vida, allí hay que forjar el divino metal para un futuro más justo y equitativo.  Escuchemos a Martí:" A nuestros niños los hemos de criar para hombres de su tiempo y hombres de América."                                                          ANÁLISIS.  Análisis del título. Los dos príncipes Alude a una situación social, los herederos de la realeza. En general cuando se libera la fantasía, se instala en  escalas  superiores a las comunes. En literatura un ejemplo claro es el Romancero español.  Las narraciones populares o dirigidas a los niños, eligen un mundo mágico y perfecto. Es conmovido por el hecho narrado pero vuelto a su orden ideal, al culminar el suceso, excepto en los romances cuyo final, la mayoría de las veces, es abrupto.  Para Martí todos los niños son príncipes, empezando por su hijo al que llama "reyecillo" "príncipe enano".  Su visión del hombre sin importar etnia, situación social, credo o color es la misma y su lucha fue y es para que todos compartan ese ideal de justicia. El poema presenta un príncipe de la realeza y otro campesino.  El título se relaciona  por situación no por tema. "Idea de la poetisa  norteamericana Helen Hunt Jackson." La idea no es original de Martí, la extrajo de Helen Hunt :  El príncipe ha muerto. Toma el poema y lo rehace a su medida para sus niños de la América hispana. Entra  aquí en juego el concepto de originalidad en literatura.  En realidad no hay tema original porque los temas siempre refieren a la existencia humana y son los mismos desde que el hombre pudo manifestarse por medio del arte de la palabra. De forma consciente o inconsciente el tratamiento de la materia literaria  está adherido a todo escritor. La honradez de Martí hace presente en su creación a quien lo inspiró. Conoce personalmente a la autora e hizo una traducción de una novela de esta.  La poetisa estadounidense  comparte sus ideales de igualdad y justicia. Canalizó su corta vida en defensa de los derechos de los pueblos indígenas marginados en el país del norte. La misma distancia entre la idea y su realización es la que existe entre estos dos poemas.La materia es la misma pero no la creación. Dice, al respecto Michel Dragomirescou: "pierde el carácter de influencia propiamente dicha y deviene un simple fuente de inspiración..." Tema: la muerte a deshora. La muerte que llega y se lleva niños, jóvenes, sin darles la posibilidad de transitar, de construir su vida.  En este caso en la primera etapa: la niñez. Se observan dos perfiles, uno, los niños que mueren y despiden la vida en sus primeros pasos por ella.  El otro,  el dolor que esas muertes generan en quienes los aman. Es un tema fuerte para acercarlo a los niños, duele hacerlo pero el autor considera necesario que desde pequeños se familiaricen con todo lo que encontrarán, incluso la muerte. El Hombre se engrandece en la humildad y esta nace del sufrimiento. Martí apuesta por grandes hombres en el futuro de América latina. Estructura interna :en las dos tiradas de versos sigue el mismo movimiento. Primero el lugar,sigue el dolor de los padres, luego la conmoción del entorno que va de los hombres,  (solo en la primera ) los animales, la naturaleza y el entierro o despedida final.La gradación  termina empapando todo de sentimiento. Estructura externa : el poema consta de treinta y seis versos octosílabos con rima asonante (coincidencia solo de los fonemas de las vocales) Organizados en dos tiradas, una por cada príncipe. Es la estructura del romance español, que le permite  suavizar la angustia de la muerte por la musicalidad, la belleza, el paisaje sicocósmico... Expresa José A Portuondo en su obra, Martí, el escritor revolucionario:  "...encierra en cada verso o cada dos versos... un pensamiento completo.  El tono grave, solemne del entierro, se mantiene con la asonancia  aguda en "e" en la primera... y en "o" en la segunda. Hay en ambas estrofas una gradación ascendente de tono y de sentido que culmina en los dos versos finales de cada una, constituidos por dos oraciones exclamativas independientes, pero subordinadas sicológicamente en cuanto presentan el mismo fenómeno bajo su doble aspecto de la muerte de un niño y de la pérdida experimentada por sus padres." Análisis                       El palacio está de luto y en el trono llora el rey, y la reina está llorando donde no la pueden ver: en pañuelos de holán fino lloran la reina y el rey: El primer verso ya plantea el tema del poema: el dolor generado por la muerte de una persona. Aunque luto sea la última palabra de la oración, su carga significativa domina el verso empapándolo de tristeza y señala la expresión lírica de todo el romance.  El luto es la manifestación de pena por la muerte de una persona, se ve en el atuendo y se traduce en el color negro Comienza con un lugar: el palacio. El clima es principesco, es la casa de los reyes, emana riqueza y el lujo. Pero todo se anula por el negro  que impone  el dolor, anulando imágenes, sonidos, sensaciones. La personificación (dar características de persona a algo que no lo es) humaniza el  dolor.

ANÁLISIS DEL POEMA: " PALABRAS PARA JULIA " DE JOSÉ.AGUSTÍN. GOYTISOLO

Palabras para Julia

José  Agustín Goytisolo

Tú no puedes volver atrás

porque la vida ya te empuja

como un aullido interminable.

Hija mía es mejor vivir

con la alegría de los hombres

que llorar ante un muro ciego.

Te sentirás acorralada

te sentirás perdida o sola

tal vez querrás no haber nacido.

Yo sé muy bien  que te dirán

que la vida no tiene objeto

que es un asunto desgraciado.

Entonces siempre acuérdate

de lo que un día yo escribí

pensando en ti como ahora pienso.

Un hombre solo, una mujer

así tomados, de uno en uno

son como polvo, no son nada.

Pero yo cuando te hablo a ti

cuando te escribo estas palabras

pienso también en otros hombres.

Tu destino está en los demás

tu futuro es tu propia vida

tu dignidad es la de todos.

Otros esperan que resistas

que les ayude tu alegría

tu canción entre sus canciones.

Entonces siempre acuérdate

de lo que un día yo escribí

pensando en ti como ahora pienso.

Nunca te entregues ni te apartes

junto al camino, nunca digas

no puedo más y aquí me quedo.

La vida es bella, tú verás

como a pesar de los pesares

tendrás amor, tendrás amigos

Por lo demás no hay elección

y este mundo tal como es

será todo tu patrimonio.

Perdóname no sé decirte

nada más pero tú comprende

que aún  yo estoy  en el camino

Y siempre siempre acuérdate

de lo que un día yo escribí

pensando en ti como ahora pienso.

ESTRUCTURA EXTERNA,: se compone de cuarenta y cinco versos  en su mayoría eneasílabos,organizados en quince tercetos.No se observa rima regular en ninguna de sus formas, consonancia o asonancia
GÉNERO:  lírico, expresión directa de sentimientos y pensamientos, es un mensaje de un yo a un tú  El lector queda fuera pero al ser  comunicación literaria, asiste como espectador.
No es un poema abierto, es un diálogo poético, un padre le habla a su hija,  le da mayor intimidad, como lo estudiamos en el poema de M. Hernández  Las nanas de la cebolla. 
ESTRUCTURA INTERNA Cada terceto enfoca un tema existencial que refiere al empuje de la vida, sus problemas, sus alegrías y cómo enfrentarlos. Un primer momento refiere a Julia como individuo frente a la vida.Como sostén aparece el leit motiv , marcando la presencia del padre en su responsabilidad de asistir, guiar y amar al hijo. Luego pasamos al segundo momento, el compromiso socio político y Julia se transforma en ejemplo de y para los jóvenes, termina cuando se vuelve al uso del leit motiv, justificación de las palabras . El tercer momento es un retorno al ser de la hija, a su persona.y culmina el poema con el leit motiv,.despedida y presencia permanente de sus palabras en ella.
ANÁLISIS DEL TÍTULO   Palabras para Julia  Es catafórico, nos adelanta, nos prepara en forma y contenido.
 Las palabras son una unidad significativa de  la comunicación, del lenguaje oral y escrito.
 Aquí las palabras refieren al código del mensaje de un emisor a un receptor pero al tener contenido poético se abre el abanico de conceptos y valor estético.
 Cierra el canal de recepción al especificar "para Julia".
Pero la profundidad y la belleza del poema hacen, como ya se expresó, que cada padre encuentre su voz en la del poeta y Julia sea como aparece en la estrofa séptima símbolo de "otros..."
                                                              ANÁLISIS
"Tú no puedes volver atrás// porque la vida ya te empuja// como un aullido interminable"
Comienza con el pronombre personal, segunda persona del singular, innecesario en lengua española, pues se deduce por el verbo conjugado. pero imprescindible para marcar el tono de diálogo en la poesía. La negación parte del yo lírico y lo abarca a él y al "tú".
 Sentir el fluir del tiempo en el hijo, implica su crecimiento y la separación del mundo protector creado por los padres. El yo lírico no quiere que crezca pero sabe la imposibilidad de esa lucha.  Acepta y quiere que Julia también lo haga.
El fluir del río de J Manrique " Nuestra vidas son los ríos// que que van a dar a la mar " O de A. Yupanqui " tú que puedes vuélvete// me dijo el río llorando...".
No se puede volver atrás,  la vida se anda, no se desanda.
El ritmo es mucho más vertiginoso que en los poetas anteriores, " empuja"   "aullido interminable".
Tiempo y vida marchan paralelos, de ahí la fuerza de la personificación y el adverbio de tiempo "ya". El empuje impide detenerse en las etapas, la vida como una persona, nos lleva  a su paso.
  "..ya..." da la inmediatez del proceso.
 El poeta usa la comparación para ilustrar el concepto. El empuje de la vida es "como un aullido interminable" Aullido nos sitúa en  el instinto, en lo irracional, no se puede explicar.
 Es la vida en su plena manifestación , siempre potente, siempre presente, inagotable e infinita. Los seres vivos perecen pero el devenir de ella, hace que sea interminable y constante.El poeta logra esa prolongación con el uso del encabalgamiento triple
"Hija mía  es mejor vivir//con la alegría de los hombres// que llorar ante un muro ciego."
La segunda estrofa vuelve más íntimo el diálogo, el tú se transforma en "hija mía" La relación con el yo lírico ya está expuesta y el sentimiento,  resaltado por el posesivo que sucede al sustantivo.
No indica pertenencia sino el grado de cercanía  que los  vincula.
.Si la vida empuja hay que vivir  cada momento en toda su intensidad.
 ¿ Cómo? El yo lírico, el padre, le plantea  dos caminos, uno, unida a los demás seres empujados como ella por el  "aullido" vital, o el otro, aislándose del resto de los hombres.
En el primero puede encontrar la alegría que da la solidaridad, la comunicación, la experiencia, Somos seres sociales, el grupo ampara al individuo, lo levanta de las penurias, cuando aparecen en el diario vivir.
El caminar solo, es una forma de soberbia, de ignorar valores, en lugar de avanzar quedarse ante "un muro ciego" La metáfora unida a la personificación ilustran la conducta.
 La soledad elegida es un muro, un obstáculo por su altura, su solidez, para el crecimiento del ser humano. "Ciego" porque no deja pasar la luz y también porque impide la visión en su totalidad de la experiencia vital. Así el hombre queda inerme, desprotegido y surge el dolor. La antítesis entre las dos posiciones se materializa en el contraste entre "alegría" y llanto".También el fluir de un verso en otro se percibe por el encabalgamiento triple
Te sentirás acorralada// te sentirás perdida o sola// tal vez querrás no haber nacido"
El tercer terceto es la proyección al posible futuro de su hija. Se detiene en el más negativo, doloroso, oscuro, porque sabe que si ella es feliz no necesitará sus palabras. Usa la anáfora, repetición de uno o más términos al comienzo de versos consecutivos " Te sentirás" la reiteración siempre marca un ritmo y realza  el significado. Le interesa  detenerse en los sentimientos, en el interior, abismarse en la persona que será su hija.Trabaja la imagen "acorralada" El corral es el límite que se pone a los animales en cautiverio. Significa la pérdida de libertad, de decisión. En el caso del ser humano ese sentimiento nace cuando la vida,  empuja hacia la injusticia, el dolor, la sinrazón.y se pierde el sentido de la existencia. Lo vimos en el Libro de Job: " un hombre que su camino está cercado//a quien Dios por todas partes cerca" Ya no hay camino seguro y viene la segunda opción sentirse perdida, ajena a todo y a todos, incluso a sí misma. La disyuntiva "o sola" marca la gradación descendente. Primero la acorralaran, luego no puede huir, se siente perdida y al final la soledad, física y síquica. Estar sola, sentirse sola. Cuando aparece ese sentimiento se pide como Job la anulación de la concepción y del nacimiento. Lo plantea como una posibilidad "tal vez querrás no haber nacido"
"Yo sé muy bien que te dirán// que la vida no tiene objeto// que es un asunto desgraciado".

Sigue manejando el futuro y la misma situación pero abre el poema a otras palabras que llegarán a ella.Como la mujer de Job vendrán los consejos negativos "maldice a Dios y muérete" Aquí  lo que se pone en juicio es la vida y el porqué de la misma.
El pronombre personal nuevamente inicia el terceto para resaltar la experiencia del padre, única cosa que puede aportar para ayudar a su hija. Estas son sus palabras pero las otras van a contradecirlas Lo sabe y afirma el conocimiento con "muy bien" para eliminar toda duda.. Ese mensaje nihilista desmerece el valor de la vida tal como es, como se nos presenta, compleja, con dolores y alegrías, con muertes y nacimientos. El negar el sentido a la vida se da en forma imprecisa: "no tiene objeto" " es un asunto desgraciado"
 Esta postura aparece mucho en la lírica, recordemos P Neruda "Sucede que me canso de ser hombre..." o R Darío "Ya tendrás la vida para que te envenenes" Es una postura frente a la existencia y como tal debe ser respetada; pero no es la que el yo lírico quiere para su hija. La aleja de ella usando sus palabras
" Entonces siempre acuérdate//de lo que un día yo escribí// pensando en ti como ahora pienso"
Llegamos al leit motiv, que le da ritmo y vuelve al tema del poema, las palabras para su hija.
El adverbio de tiempo, "entonces" la ubica en el momento de la duda, donde  sea necesario su consejo. El siguiente   perpetua este mensaje,  "siempre" debe recordar sus palabras. Estas " que un día yo escribí" Se va al pasado, en un juego temporal, logrado con los adverbios,  se hace permanente el mensaje.
 Indetermina con "un día", la creación del mismo, plantea su presencia con el pronombre personal "yo" y su poema  con "escribí". El último verso de la estrofa establece el vínculo con la hija a través del pensamiento. Usa el gerundio, forma fija del verbo, que indica la acción realizándose en el momento" pensando" y luego el presente "pienso" reforzado por otro adverbio de tiempo "ahora". Él siempre piensa en ella y ella debe recordar sus palabras para ayudarse en los momentos de duda.Para sentir su presencia y apoyo aunque no esté a su lado.

El dolor del destierro. Cantar del Mio Cid

                                 Cantar I El Destierro
La entraña de la literatura es la comunicación artística por medio del lenguaje, llegar la esencia estética por las palabras.
Cuando nos acercamos a la primer obra literaria conservada del castellano, Cantar del  MioCid siglo XII, (1140), iniciamos un viaje de nueve siglos, hacia otra época, con otra estructura social, económica, cultural. La pregunta es ¿lograremos llegar? Desde este siglo XXI globalizado, consumista, inestable, dominador de naturaleza y persona, ¿podrá conmovernos la gesta de un héroe medieval?
Es el desafío
La primera parte del manuscrito  de Per Abad, conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid, comienza así:
          Castellano romance                                         Castellano- español actual
 "De los sos ojos- tan fuertemientre llorando,//con sus ojos tan fuertemente llorando,
tornava la cabeça- i estavalos catando.// tornaba la cabeza- y estaba mirándolos.
Vio puertas abiertas- e uços sin cañados// Vio pertas abiertas- y postigos sin candados
alcádaras vázias- sin pielles e sin mantos// perchas vacías sin piles y sin mantos
e sin falcones- e sin adtores mudados.// y sin halcones - y sin azores mudados.
Sospiró mio Çid-  ca mucho avié grandes cuidados:// suspiró mío Çid- que tenía grandes cuidados.
fabló mío Çid- bien y tan mesirado;// Habló mío Cid-bien y tan mesurado:
*grado a ti, señor padre- que estás en lo alto! // Gracias a ti señor padre// que estás en lo alto
*Esto me an buolto- mìos enemigos malos.// Esto me han urdido- mis enemigos malos"
El manuscrito de Per Abad, 1307, es una copia posterior a la creación del poema.
Sabemos que faltan versos, se han perdido y el manuscrito comienza sin ellos. Los editores los suplen con el relato de la explicación del porqué  la medida del rey  Alfonso de desterrar al héroe. Lo narra la crónica junto a la dureza del castigo y el plazo, exiguo por completo para cumplirlo, en nueve días debe dejar el reino.El Cid debe alojar su familia, desmantelar su castillo y prepararse para lo incierto en solo nueve días.
Juicios de la crítica:
" Empieza el poema donde mejor podía empezar, sicológica y poéticamente. Por el momento de la desgarradura del hombre y su tierra. Por el momento en que Ruy Díaz se arranca de su casa solar, de Vivar.Es el poema del destierro y la pena del desterrado, en eso consiste, en romper los vínculos, de los que apenas se tiene conciencia en el bienestar, con lo nuestro, con nuestra tierra, entendida en el modo más ancho. Tierra, y en ella la casa, y en la casa muebles y trebejos usuales, y entre ellos, yendo y viniendo la mujer y los hijos y los criados, la gente nuestra, lo nuestro. Desterrarse es  arrancarse de lo nuestro, es decir dejar de ser nosotros...."  Pedro Salinas Ensayos de literatura hispánica.
"El poema empieza con la desolación de la marcha.Vivar es el núcleo de cristalización humana del destierro. En medio de las cosas abandonadas, surge la actitud humana y literaria del desterrado. La escena que se entrega a los oídos está captada por los ojos...." Joaquín Casalduero Estudios de Literatura Española.

El cantar del Mío Cid  es un cantar de gesta, pertenece por lo tanto al género narrativo y dentro de este a la épica, se narran acciones de héroes.
 Se divide en tres  partes o cantares : El del Destierro, el de las Bodas de las hijas del Cid, el de la afrenta de Corpes.
Los cantares  a su vez, se dividen en tiradas de versos asonantados con métrica irregular, de diez sílabas. decasílabos, hasta veinte, pero predominan los alejandrinos, catorce sílabas.. En la mitad del verso se hace una pausa o cesura.
El comienzo, no del poema sino del Códice, narra el momento mismo del alejamiento de Vivar. El juglar concentra su atención en describir la acción y reacción de su personaje. Acción, alejamiento de lo que fue hasta hoy su mundo. Reacción, querer retener la última imagen en su alma, sufrir y manifestar ese sufrimiento con lágrimas. No debemos olvidar lo que resalta, respecto al juglar, Dámaso Alonso Ensayos sobre poesía española " Es testigo de la escena el que habla.....".
No olvidemos que  recita para un auditorio. El hecho de contarlo como vivido acerca el poema y le da más emotividad que trasmite a sus oyentes. Dámaso Alonso, obra citadalo explica: "En el libre juego de las oraciones desligadas, la intención expresiva es solo un resultado de entonación y del conocimiento del ambiente afectivo. Es decir, sobre los elementos lógicos triunfan los afectivos."
Remitimos a lo expresado por Pedro Salinas , sus palabras son por demás elocuentes para ver que la esencia humana de la experiencia vivida, (salvo la resignación cristiana, que mucho pueden no compartir), se da tanto en el siglo XII como en el XVIII como en el XXI. Recordemos la temática de Mario Benedetti a propósito de su, o mejor dicho, sus exilios, revividos en varios personajes de sus obras Ejemplo Primavera con una esquina rota.
" De los sus ojos- tan fuerteminetre llorando" Aparece primero el sentimiento, el desgarro del hombre de su tierra (Salinas), la desolación de la marcha (Casalduero)  El juglar se concentra en los ojos del héroe, va siguiendo su mirada en ida y retorno, va hacia lo que había sido su mundo y vuelve a su corazón. Luego de la cesura el sentimiento. El adverbio "fuertemente" y el gerundio "llorando" nos presentan al héroe.  No lo vemos en la cima de su gloria, donde las cosas son fáciles, sino  frente al infortunio.Al dolor del destierro se suma la injusticia del castigo, nos recuerda a Job, ambos sufren, ambos aceptan lo que les sucede, a pesar de no ser merecedores de ello.
La fuerza del llanto es la del héroe.Sus lágrimas llegan a nosotros para conmovernos.

Canción de cuna."Bodas de Sangre" Acto I cuadro II Federico García Lorca

Suegra

Nana,niño,nana
del caballo grande
que no quiso el agua.
El agua era negra
dentro de las ramas.
Cuando llega al puente
se detiene y calla.
¿Quién dirá, mi niño,
lo que tiene al agua
con su larga cola
por su verde sala?

Mujer (bajo)
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.

Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Las patas heridas,
las crines heladas,
dentro de los ojos
un puñal de plata.
Bajaban al río.
¡ay cómo bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua.

Mujer
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.

Suegra
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.

Mujer
No quiso tocar
la orilla mojada,
su belfo caliente
con moscas de plata.
A los montes duros
solo relinchaba
con el río muerto
sobre la garganta.
¡Ay caballo grande
que no quiso el agua!
¡Ay dolor de nieve,
caballo del alba!

Suegra
¡no vengas! Detente,
cierra la ventana
con rama de sueños
y sueño de ramas.

Mujer
Mi niño se duerme.

Suegra
Mi niño se calla.

" La fábula dramática y lírica del caballo herido que no quiere beber y se pone a llorar, tierna canción de cuna y augurio de drama, da  el tono del cuadro II. Está basado en los romances....El canto anuncia viudez y orfandad para la madre despreciada y para el niño insomne---" García Lorca Persona y creación  Alfredo de la Guardia 
La canción de cuna aparece  dentro de una obra dramática:  Bodas de Sangre en el cuadro II. Tiene  un doble significado como dice A. de la Guardia, por un lado adormecer al niño, por otro anticipar la tragedia. Como la que estudiamos del poema Tabaré, de J Zorrilla de San Martín, puede analizarse  en forma autónoma aunque su entronque con el drama es más fuerte que el ejemplo anterior.
Tiene otra peculiaridad es a dos voces,  la  de la abuela y la de la madre. Estas dos voces marcando estrofas y estribillos aumentan el efecto musical, son dos acordes en una misma melodía.
La "nana" abre  y cierra el cuadro, entre un momento y el otro, ha transcurrido la acción dramática.
Son cuatro estrofas que se cierran con un estribillo. El penúltimo  verso es de la madre y el último de la suegra, que  la inició.Los versos son hexasílabos y decasílabos.
Comienza la suegra de Leonardo (uno de los protagonistas del drama) que aparece con el niño en brazos.
 Era costumbre en los pueblos de campo, que la abuela criara uno de los niños de la pareja. Se vio en el cuadro I cuando el novio, anticipa a su madre, hablando de sus futuros hijos: "El primero para usted" 
Eso justifica el comiezo casi pasivo de la madre en la nana, cuyo primera intervención es en voz baja.
"Nana, niño,nana// del caballo grande //que no quiso el agua" Los tres primeros versos están encabalgados se deben leer o cantar sin hacer la pausa final. Plantean el tema de la canción de cuna. Estas siempre están impregnadas de fantasía donde la irrealidad se acompasa a la visión del mundo del niño, diferente a la del adulto.No hay límite entre lo real y lo fantástico.
García Lorca lo sabe y lo trabaja.
 El primer verso se abre y finaliza con la misma palabra, "nana" epanodiplosis. define el motivo del canto. También usa la aliteración (repetición de una letra) en este caso la "n" que va perfilando el sonido adormecedor.
El tema es el caballo grande que no quiso el agua. Pasamos al plano de lo irreal, normalmente el caballo llega al río a beber. Este no lo hace.
 Simbólicamente es Leonardo que no bebe del amor de su esposa y cansa su caballo rumbo al secano, donde está su pasión prohibida.
La canción ahora describe el agua  negra. El color negro adelanta algo negativo, es la ausencia de luz y por consiguiente  de color. Aparece dentro de las  ramas, genera un sentimiento de algo entreverado, de algo que obstaculiza el curso, de trampa.
 "Cuando llega al puente" Ya instalado el negro y las ramas, la canción sigue el fluir y ya está dentro de un entorno más natural,  "... se detiene y canta." Es evidente como el poeta cambia el rumbo sugerido y avanza por la fantasía , detiene el curso de agua e instala una canción,dentro de otra, sin la connotación de tragedia que fue anunciada. La personificación se diluye porque dentro del mundo infantil las categorías no son lógicas y el agua puede detener su caminar y cantar.
Finaliza la estrofa, con una interrogación que abarca cuatro versos encabalgados: " Quién dirá..." toda la atención está ahora en la segunda canción.Es una pregunta retórica ya que no tiene receptor conocido, ni espera respuesta. Solo incentiva la curiosidad. Es el mundo mágico donde todo puede suceder. Recordemos el Romance del infante Arnaldos y su final abrupto: "-Yo no digo mi canción// sino a quien conmigo va" 
El posesivo, "mi niño" refleja una expresión común en el habla y literatura española.
Se genera otro misterio: "lo que tiene el agua// con su larga cola// por su verde sala?"Las imágenes del agua como una dama "con traje de cola" y la vegetación, como el lugar  en que esta recibe,  " verde sala", ventilan la nana en frescura y resonancias.
Pasa García Lorca ahora al estribillo. Este lo canta la madre, presentada como la mujer.
"Duérmete, clavel,// que el caballo no quiere beber"
 La esposa que sufre el desamor, es la encargada de volver al caballo y por lo tanto a clima trágico. Al respecto explica el crítico ya citado: "... se enlazan los temas de la luna ,el jinete y la muerte, imágenes esenciales en la poesía de Lorca"
 Se trasforman en símbolos por su constante alusión en toda su obra.
El pedido al sueño es típico de las canciones de cuna. La madre pide el sueño al niño, a quien nombra a través del clavel, por su belleza, inocencia y alejamiento del presentimiento funesto.
Pese a la canción del agua, a su larga cola, a su sala verde,  el caballo no quiere beber.
Bajo esta premonición pasamos a la estrofa siguiente, a cargo del a suegra, que se centra en el caballo.

Canción de cuna. Tabaré Juan Zorrilla de San Martín

Canto II  parte X

Duerme, hijo mío. Mira, entre las ramas
está dormido el viento;
el tigre en el flotante camalote,
y en el nido los pájaros pequeños;
hasta en el valle 
duermen los ecos.

Duerme. Si al despertar no me encontraras, 
yo te hablaré a lo lejos;
una aurora sin sol vendrá a dejarte
entre los labios mi invisible beso;
duerme; me llaman;
concilia el sueño:

Yo formaré crepúsculos 
para flotar en ellos:
para infundir en tu alma solitaria
la tristeza más dulce de los cielos;
así tu llanto
no será acerbo.

Yo empaparé de aladas melodías
los sauces y los ceibos,
y enseñaré a los pájaros dormidos
a repetir mis cánticos maternos...
el niño duerme
duerme sonriendo.

Introducción

El poema Tabaré fue creado por Juan Zorrilla de San Martín y publicado 1886. El autor vive la influencia de Romanticismo en su juventud, sus ecos se perciben en el poema.
 Pero sería un error considerarlo simplemente romántico  también tiene conexiones con el Modernismo.
La generación del 900 fue en Uruguay, patria de Juan Zorrilla de San Martín, la respuesta modernista y el poeta convivió con esta y la trasmitió a su creación. 
El porqué de la obra se plantea en el Libro I parte II: "Es la raza charrúa,//de la que el nombre apenas//han guardado las ondas y los bosques,// para que evoque el alma de un poema".
Los charrúas eran indígenas que habitaron parte de la Banda Oriental ( actual República Oriental del Uruguay)  antes de la llegada de los españoles.
 Zorrila de San Martín de ascendencia directa española (su padre) y educación católica enaltece la figura del conquistador señalándolo como predicador del evangelio cristiano. Esto lo lleva  a mostrar en los charrúas, la barbarie, no son criaturas de Dios. Pero entra en conflicto con su patria a la que ha cantado en varias obras y ha dedicado su vida . Porque la tierra que pisa, fue primero de ellos,  siente el compromiso: "Levantaré la losa de una tumba;// e internándome en ella,// encenderé en el fondo el pensamiento,// que alumbrará la soledad inmensa." El es el elegido para contar la gesta, el cómo y porqué de su existencia, con la lira de hierro. Visión netamente romántica de la labor poética y de los indígenas. Cabe señalar que Las Crónicas que recogen experiencias de aquella época difieren mucho de lo contado en el poema.
Su personaje, Tabaré, es el héroe romántico, "mi imposible charrúa de ojos azules" como lo llama el autor, nace de la cautiva, Magdalena, única sobreviviente española de un desembarco, y del cacique Caracé. Tiene la soledad y aislamiento del mestizo, no tiene sitio en ninguno de los dos mundos, y su final será la muerte.
El recuerdo de Magdalena que muere cuando era niño, su nostalgia, su tristeza y el misterio de esa figura que siente palpitar en la naturaleza, presente en su ausencia, es el recuerdo de Zorrila de San Martín, de la madre que perdió cuando era niño. Esa experiencia del poeta nutre la canción de cuna, es Magdalena y es su madre. El lector percibe el sentimiento que desborda los límites del poema y le da cierta independencia al fragmento; sin desconectarlo. 
En el Canto I Magdalena aparece "pálida como el lirio" Se inicia aquí, en esta comparación lo que será luego leit motiv, el símbolo (nota modernista) de la española y el lirio. Poéticamente anuncia primero y concreta después, la muerte   "¡ Cayó la flor al río!" Logra con este efecto potenciar el significado de la canción, pues será la última. 
De la misma manera que trabajó el motivo del lirio trabaja la canción que se va esbozando en el canto II primero en la parte VIII, vuelve en la IX para culminar en la X

Análisis.
La canción tiene un triple cometido: primero, acunar al niño al sueño, segundo, despedirse y tercero darle una salida a su soledad y tristeza anunciando su presencia en la naturaleza.
Se estructura en cuatro estrofa, con versos de metro diferente y repeticiones que le dan musicalidad. 
La estructura interna a) el llamada al sueño mediante la exhortación "duerme",  b) la posibilidad de la ausencia definitiva mediante el condicional, c) la proyección en la naturaleza de su ser,  amor y amparo.
" Duerme, hijo mío. Mira entre las ramas..."  El primer verso contiene dos oraciones. La primera es una exhortación al sueño. Quiere al hijo dormido para que no vea su muerte, lo va acunando en la medida que a ella le cierra los ojos, la muerte. Hay un paralelismo entre el sueño del niño y el descanso final,  el abandono de la conciencia por el dormir y por la muerte, ambos terminan con los ojos cerrados.Magdalena considera a Tabaré "hijo mío" no reconoce otro vínculo, por la violencia de su concepción. Caracé es solo su pesadilla, su enfermedad, su dolor. Su hijo  es su única alegría y lo único que la ata a la tierra. Lo ha bautizado en las aguas del río Uruguay.  " La madre le ha entregado, sollozando,// el gran legado eterno"Tabaré es un charrúa cristiano, el único con derecho a la redención y vida eterna. Es su hijo, es su fe. 
La segunda oración se enlaza con el segundo verso mediante un encabalgamiento abrupto. (Encabalgamiento abrupto cuando no se hace la pausa del final de verso y debe leerse unido al siguiente, parte de uno, con el otro).
Nuevamente el verbo encabeza la oración exhortando: "Mira..." la naturaleza aparece símbolo de la madre en el lirio y luego su cómplice en el bautismo, en los invisibles coros, los misterios... La naturaleza, sí, aparece como creación divina, por eso acude a ella para incitar el hijo al sueño primero, y luego, para contener su figura materna para calmar el dolor y la soledad en que quede aquel
El hipérbaton destaca las ramas. Nos lleva con la mirada primero hacia la altura, las ramas del árbol. El viento es lo que mueve la naturaleza pero no se puede ver, se siente por el cambio que provoca. Lo personifica para que pueda dormir en las ramas, quietas. Baja la mirada al río. 
Busca un elemento que implica fuerza, ferocidad: el tigre, hasta este, duerme "en el flotante camalote". La planta acúatica, su vaivén sobre el agua acunaron y mitigaron el salvajismo del animal.
Levanta la mirada, hacia los nidos. No solo duerme el viento en las ramas, estas también son el apoyo de los nidos, donde duermen los pichones. La antítesis con el tigre es clara y elocuente, uno es todo fuerza y ferocidad, los otros aún no hay terminado su crecimiento en el nido. Tomando los dos polos engloba a toda la vida animal. 
Vuelve la mirada al valle, la horizontalidad, la extensión y la proyección a la lejanía que por supuesto guarda el misterio. Ahora personifica para acallarlos a los ecos. En toda la primer estrofa se va silenciando el paisaje en todos los elementos: aire, agua y tierra, para llevar al niño al sueño.
    La segunda se inicia como la primera manteniendo la exhortación "Duerme...,"  pero empieza a despegarse la figura de la madre. El condicional nos lleva a otro momento, el despertar, sabe que cuando despierte, no estará, no la encontrará aunque la busque.
 Empieza a separarse de la tierra para trasmutarse en la naturaleza que se carga se sentimiento. Paisaje subjetivo, típico del  Romanticismo. Ahora le canta para dormir, cuando despierte, le hablará a lo lejos. La lejanía marca el pasaje de la vida a la muerte, el otro lugar donde estará. El misterio lo trabaja en la aurora sin sol. El amanecer junto al atardecer son los momentos del día más queridos por los románticos. Pero esta aurora anuncia un sol que no saldrá para el hijo, queda encerrada en lo inexplicable y dentro de ese clima, puede la madre muerta dejarle el beso, invisible, pero presente.
  Aparece la tercera repetición "duerme..." constituyendo el tema dominante en la canción, el leit motiv. Muestra la urgencia de Magdalena de que duerma porque siente el avance de la muerte en su cuerpo. Da una visión cristiana, es el llamado desde el cielo. y termina la estrofa manifestando el pedido con igual significado y distintas palabras: "concilia el sueño"
La tercer estrofa tiene por finalidad la unión con la naturaleza y su presencia en ella.
Se inicia con el pronombre personal "yo" para afirmarla.Cuando el hijo vea la niebla, o los vapores en el crepúsculo será ella. La figura de Magdalena se va perdiendo en lo etéreo del paisaje. Trabaja el atardecer y el azul tan recurrentes en los románticos.
El plural muestra que no va a ser un momento sino muchos si Tabaré sabe verla, si la busca, ella estará en esas horas difusas y misteriosas donde los contornos de las figuras se pierden.
"::. para infundir en tu alma solitaria..." Estará y penetrará en su alma, no puede quitarle la soledad, (ya hablamos de esa característica en el personaje), pero  su tristeza será dulce porque es celestial. La madre desde el cielo consuela al hijo de su soledad. El consuelo es un alivio, no acompaña al alma solitaria, porque ya no pertenece a este mundo, ni quita la pena, El oxímoron  "la tristeza más dulce de los cielos" anticipa que volverán a estar juntos.
Con ello disuelve la amargura del llanto que "no será acerbo"
La última estrofa se inicia también con el pronombre personal "yo".Muestra  ascensión final de Magdalena, sus "aladas melodías" La sinestesia, cruce de sensaciones, se inicia con una visual y táctil, "empaparé".Alude al rocío que comienza al atardecer y dura hasta la salida del sol. Empapar también es una hipérbole,no quedará parte de la naturaleza sin sus  cantos Nuevamente sensación visual en "aladas" y auditiva en "melodías"- Los sonidos del crepúsculo y la noche en los árboles "sauces y ceibos" serán su canto. Del cielo al misterio de la naturaleza.  Tabaré reconocerá en las resonancias a su madre  cerca
 "y enseñaré a los pájaros dormidos" sigue la imagen de lo alado, ahora en los pájaros. Ella les enseñará mientras duermen sus "cánticos maternos" En el atardecer y en la noche estará cantando para el hijo aladas melodías, en el día los pájaros cuando despierten repetirán lo que aprendieron en el sueño,
. Al final Magdalena logra su objetivo: "el niño duerme// duerme sonriendo." Lo acunó con su canto y le dejó una sonrisa, puede irse en paz.

PABLO NERUDA EVOLUCIÓN DE SU CONCEPCIÓN POÉTICA A LO LARGO DE SU OBRA

PABLO NERUDA
Veinte poemas de amor y una canción desesperada  Poema XX El poder del poeta
Residencia en la tierra Arte poética
Nuevas odas elementales  La casa de las odas Arte poética, conciencia de la palabra con olor a pan recién horneado y uñas guardando tierra.
Memorial de Isla Negra  Donde nace la lluvia  La poesía. Sonata critica  Arte magnética

Poema XX
Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Escribir, por ejemplo:" La noche está estrellada,
y tiritan azules los astros, a lo lejos".

El viento de la noche gira en el cielo y canta.

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Yo la quise, y a veces ella también me quiso.

En las noches como esta la tuve entre mis brazos.
La besé tantas veces bajo el cielo infinito.

Ella me quiso, a veces yo también la quería.
Cómo no haber amado sus grandes ojos fijos.

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Pensar que no la tengo,Sentir que la he perdido.

Oír la noche inmensa, más inmensa sin ella.
Y el verso cae al alma como al pasto el rocío.

Qué importa que mi amor no pudiera guardarla.
La noche está estrellada y ella no está conmigo.

Eso es todo. A lo lejos alguien canta. A lo lejos.
Mi alma no se contenta con haberla perdido.

Como para acercarla mi mirada la busca.
Mi corazón la busca, y ella no está conmigo.

La misma noche que hace blanquear los mismos árboles.
Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos.

Ya no la quiero, es cierto, pero cuánto la quise.
Mi voz buscaba el viento para tocar su oído.

De otro. Será de otro. Como antes de mis besos .
Su voz, su cuerpo claro. Sus ojos infinitos.

Ya no la quiero, es cierto, pero tal vez la quiero.
Es tan corto el amor, y tan largo el olvido.

Porque en noches como esta la tuve entre mis brazos,
mi alma no se contenta con haberla perdido.

Aunque este sea el último dolor que ella me causa,
y estos sean los últimos versos que yo le escribo.


Amado Alonso en su obra Poesía y Estilo de Pablo Neruda expresa respecto a este poema:"...el poeta conforma y configura, también cualitativamente, su propio sentimiento; la creación poética consiste fundamentalmente en eso, en transfigurar el sentimiento vitalmente sufrido  en sentimiento,  lleno de sentido ejemplar"..Bajo esta óptica del poder transformador de la palabra se desarrollará nuestro estudio.
 De la misma manera que el mago, mediante su truco, nos lleva de nuestra visión de la realidad a otra, (la suya); el poeta  usa su magia para crear, de la palabra, comunicante en esencia, belleza.
 La palabra poesía deriva del griego poeisis" que significa creación, construcción y es eso lo que plantea Neruda en el poema XX: la creación del poema y el poema en los mismos versos.
Esa conciencia de la belleza lograda en la palabra y manifiesta al lector, la va a definir  más tarde, en Residencia en la Tierra, como Arte poética   
Se inicia el poema con la expresión  del poder creador: "Puedo escribir los versos..." Hasta ahora, los versos llegaban al lector, en poemas anteriores, en comunicación directa, interiorizándolo de sentimientos.  Ahora participa del proceso creador, ve al poeta frente a sus versos. La motivación es la tristeza, los versos que puede escribir son, los más tristes,  este sentimiento abisma al hombre, yo lírico, y se exterioriza en el poeta.
Toda experiencia existencial se da en un tiempo: " esta noche".
La nocturnidad es el momento de reflexión, de encuentro con uno mismo, surgen temores olvidados a la luz del día,  tristezas profundas. Como estamos solos, en la oscuridad no podemos evadirlos. La prueba de ello son, por ejemplo, los Nocturnos de Rubén Darío,  o el de María Eugenia Vaz Ferreira, entre otros. .En el Nocturno a Mariano de Cavia,. de Rubén Darío, aparece, como en el poema Veinte, la conciencia de sublimar en poesía, el dolor:"¡ sabréis leer estos versos de amargor impregnados!*** Como en un vaso vierto en ellos mis dolores"
Neruda continúa participándonos del proceso creativo: "Escribir, por ejemplo: "la noche está estrellada,// y tiritan azules los astros a lo lejos."  El ejemplo es un poema dentro del poema, señalado por el uso de comillas. Pero el poeta no olvida la situación de su tristeza: la noche. Ahora se la sublima en el abismo de lo infinito, "estrellas" que se van alejando "astros, a lo lejos" La magia surge en el uso de una palabra "tiritan" que da vida a las estrellas en la sinestesia (juego de sensaciones). Estas "titilan", cambia solo dos consonantes, y se logra que la noche no sea una cualquiera sino que se impregne de sentimiento, que se abisme. Le basta al poeta el movimiento de alejamiento de los astros y el "tiritan" para que su ejemplo se vuelva palpable al lector. Puede volver al poema sin ejemplos, con el canto y el giro del viento en la noche. La voz del poeta es ahora la voz del viento personificado. Vuelve al primer verso, que se trasforma en el leit motiv( motivo dominante) al iniciar una secuencia de repeticiones.Otorga, como toda repetición una gran musicalidad y resalta  el significado. No es estribillo porque se da al comienzo del pareado, no al final, y la reiteración no es textual. Luego es "el verso" "y estos los últimos versos que le escribo"
Surge el motivo de esa tristeza, el amor perdido. El titulo de la obra ya lo vinculaba a este tema. "Veinte poemas de amor...." Este es el último.
Como el giro del viento en la noche, va a girar sobre las posibilidades de ese amor perdido, en el uso de variaciones de un mismo tema, como lo llama Amado Alonso. La noche le trajo la tristeza y le trae a la amada "En noches como esta"..."Oír la noche inmensa"... Se une ahora la soledad:"más inmensa sin ella  :"y el verso cae al alma como el pasto al rocío".
Entroncan nuevamente poeta y yo lírico, en la vivencia. El verso va al centro mismo del sentimiento, al alma, para curarla, refrescarla, transformarla en belleza. Es el descenso de la poesía al hombre y su efecto catártico. La comparación nos muestra la unión señalada, el rocío cae en la noche, refresca el pasto apenas humedeciéndolo y al amanecer cuando refracta la luz lo embellece con color y brillo.
El climax del poema llega cuando acepta "La noche está estrellada y ella no está conmigo"  y se culmina en la conclusión. "Eso es todo"
Pero a la tristeza y soledad llega un sentimiento nuevo, el vacío, el no sentir, la nada.
G.A Bécquer lo expresó en la rima LVI "...¡Ay!¡a veces me acuerdo suspirando
del antiguo sufrir!
¡Amargo es el dolor pero siquiera
padecer es vivir!"
El  yo lírico la busca: "Como para acercarla mi mirada la busca". Rescata la posibilidad de amarla:"pero tal vez la quiero". Pero es imposible
 Al final nuevamente en una conjunción del yo lírico y el poeta, se despide de su recuerdo y la tristeza que le provoca "aunque este sea el último dolor que ella me causa," 

PABLO NERUDA NUEVAS ODAS ELEMENTALES LA VISIÓN DE LA POESÍA CON OLOR A PAN RECIÉN HORNEADO Y UÑAS GUARDANDO TIERRA

La casa de las odas

Pablo Neruda

Escribiendo

estas
odas
en este
año mil
novecientos
Cincuenta y cinco,
desplegando y tañendo
mi lira obligatoria y rumorosa,
sé lo que soy
y adónde va mi canto.

Comprendo
que el comprador de mitos
y misterios
entre
en mi casa de odas,
hecha
con adobe y madera,
y odie
los utensilios,
los retratos
de padre y madre y patria
en las paredes,
la sencillez
del pan
y del salero.
Pero es así la casa de mis odas.

Yo destroné la negra monarquía,
la cabellera inútil de los sueños,
pisé la cola
del reptil mental,
y dispuse las cosas
—agua y fuego—
de acuerdo con el hombre y con la tierra.
Quiero que todo
tenga
empuñadura,
que todo sea
taza o herramienta.
Quiero que por la puerta de mis odas
entre la gente a la ferretería.

Yo trabajo
cortando
tablas frescas,
acumulando miel
en las barricas,
disponiendo
herraduras, arneses,
tenedores:
que entre aquí todo el mundo,
que pregunte,
que pida lo que quiera.

Yo soy del Sur, chileno,
navegante
que volvió
de los mares.

No me quedé en las islas,
coronado.

No me quedé sentado
en ningún sueño.

Regresé a trabajar sencillamente
con todos los demás
y para todos.

Para que todos vivan
en ella
hago mi casa
con odas
transparentes.

Siempre hubo en Neruda la conciencia de ser un obrador de la palabra, desde el poema XX (en una de sus primeras obras Veinte poemas de amor y una canción desesperada).

“Puedo escribir los versos más tristes” donde el poeta se adjudica el poder de volcar su tristeza en arte. Luego en Residencia en la tierra,   Arte poética. "me piden lo profético que hay en mí, con// 
melancolía// y un golpe de objetos que llaman sin// ser respondidos// hay, y un movimiento sin tregua, y un nombre// confuso. " El poder se diluye, ya la palabra es solo un nombre confuso, que no se aclara para él menos para el lector tornándose en sugerencia.

El tema de la conciencia de su arte va acompañando una vida muy rica en experiencias, absorbidas en su totalidad, hasta llegar  a comprender, en los años de su madurez, que los versos se significan cuando llegan claros, sencillos, a todos. Se transforma en un trabajador más, dentro de su pueblo, su objeto es la palabra, como para el panadero, el pan. Tan sencilla como el pan debe ser su poesía. El pan alimenta a todos y es de fácil acceso, así deben ser sus versos. Puentes,  que parten de él y se completan al ser leídos. Si no hay recepción, en oyente, espectador o lector no hay arte, como dice U Eco. (Obra Abierta)  Por eso se expresa respeto a la poesía elitista, dirigida a colegas, intelectuales de la siguiente forma: «Pero esta publicación de poeta a poeta no me tienta, no me provoca, no me incita sino a embarcarme en la naturaleza, frente a una roca y a una ola, lejos de las editoriales, del papel impreso... La poesía ha perdido su vínculo con el lejano lector... tiene que recobrarlo.»

Bajo esta óptica La casa de las odas funciona como introducción a Nuevas odas elementales y como manifiesto poético.

El título del poema es una metáfora. Se traslada el concepto de casa al conjunto de poemas. La casa es nuestro claustro, el lugar que nos define y contiene, el regreso de cada día. Odas es un forma poética que data del origen de la poesía lírica en Occidente, en Grecia.

Sus poemas se contienen en un libro, para él es la casa que se abre a quien quiere llegar a ella.

Comienza el poema con un gerundio que contiene todo el primer verso: “Escribiendo” Es característico en Neruda, el uso de esta forma fija del verbo, siempre para dar simultaneidad.

Idea de acción que se cumple en el momento mismo en que el lector accede al verso. Logra acercarnos al proceso creador, volviéndonos espectadores activos del mismo. Los siete primeros versos están encabalgados.

La elección del verso de arte menor, de métrica irregular, comienza con un tetrasílabo al que siguen  dos bisílabos, le da al poema el ritmo de copla popular, ágil. Nombra en el séptuple encabalgamiento lo que escribe y el momento en que lo hace: odas, en 1955

“… desplegando y tañendo //mi lira obligatoria y  rumorosa …” En el primer verso alude al contenido, la palabra escrita, ahora a la música de la palabra, que se despliega en sonidos para que su pueblo la cante. Decía A. Machado: “canto y cuento es la poesía” El decir y el cantar del arte siempre en la continuidad del gerundio.

Viene el tópico literario, (tema, imagen o metáfora que en distintas épocas y autores tiene al mismo significado)  la lira como símbolo de poesía.

Recordemos a G A Bécquer, rima IV: “No digáis que,// agotado su tesoro// de asuntos falta// enmudeció la lira…”

“obligatoria” porque se debe a su pueblo, “rumorosa” por la musicalidad y porque se completa, como el rumor cuando otro la repite.

“…sé lo que soy y adonde va mi canto” se asume en su ser, significando su existir  en cantarle al pueblo.

La estrofa segunda,  desarrolla las dos formas de asumir la creación, una, a través del intelecto, la otra, a través de la sencillez de la vivencia diaria.

No hay juicio estético: “Comprendo…” Sabe de la libertad del creador de  elegir como trabajar la materia poética.

“…que el comprador de mitos// y misterios//entre//en mi cada de odas, //hecha//con adobe y madera…” Se refiere a los poetas, a los críticos, a los editores, que oscurecen la poesía buscando mitos,  misterios, que requieren de una preparación intelectual para su comprensión. No son auténticos por eso deben comprarlos porque en realidad el gran forjador de mitos es el pueblo.

Su casa de odas está hecha de lo esencial, accesible,  adobe y madera. No es una residencia lujosa, es una casa sencilla como la de todos. Sabemos que la madera tuvo un papel esencial en su vida, su obra y sus casas (tanto en la Santiago como en Isla Negra).

“… y odie//los utensilios, //los retratos//de padre y madre y patria//en las paredes…” El odio se basa de la carencia de lo esencial en sus obras. Compran mitos y no tienen autenticidad, lo vulgar es antipoético.

Emergen aquí los valores auténticos del pueblo estampados en las paredes, origen, familia, patria. El polisíndeton (uso innecesario de la conjunción y) va sumando y uniendo esos valores.

“… la sencillez// del pan// y del salero.” Primero mencionó el material de la casa, luego mostró los retratos en las paredes para culminar con la mesa. La sencillez de la misma está en el pan y el salero.

“Pero es así la casa de mis odas” El primer endecasílabo lo usó para definir su lira, este  para su casa. La oración adversativa afirma su derecho a hacer poesía como la siente y no como otros  la querrían,  “es así”.